\n\n\n\n\n\n\n\n
   


Наши новости:



Таганрогский художественный музей представляет произведения книжной графики из коллекции музея. 
Сегодня мы познакомимся с иллюстрациями А.Н.Самохвалова к "Истории одного города" М.Е.Салтыкова-Щедрина. 
Александр Николаевич Самохвалов (1894-1971) – один из крупнейших советских живописцев XX века, признанный мастер, вошедший в историю русского изобразительного искусства. В 1930-ых А.Н.Самохвалов приступил к выполнению иллюстраций к произведению М.С.Салтыкова-Щедрина в технике автолитографии. Работа длилась 3 года. Александр Николаевич вспоминал, что очень нелегко было жить в обществе таких чудовищных образов и следовать за сатириком тяжкими путями. После выхода книга вызвала волнения, преимущественно восторженные. 
image.png
Сатирический роман Михаила Евграфовича Салтыкова-Щедрина «История одного города» впервые опубликован в журнале «Отечественные записки» в 1869–1870 годах.  

Рубрика «Книга -пища души».

Н. М. Осин

«Бонвиан. Этюд к одноименной картине».

Безымянный.png 

     Власть, времени сильней, затаена

     В рядах страниц, на полках библиотек:

     Пылая факелом во мгле, она -

     Порой язвит, как ядовитый дротик.

 

     В былых столетьях чей-то ум зажег

     Сверканье, - и оно доныне светит!

     Иль жилы тетивы напрячь возмог, -

     И в ту же цель стрела поныне метит!

 

     Мы дышим светом отжитых веков,

     Вскрывающих пред нами даль дороги,

     Повсюду отблеск вдохновенных слов, -

     То солнце дня, то месяц сребророгий!

 

     Но нам дороже золотой колчан

     Певучих стрел, завещанный в страницах,

     Оружие для всех времен и стран,

     На всех путях, на всех земных границах.

 

     Во мгле, куда суд жизни не достиг,

     Где тени лжи извилисты и зыбки, -

     Там дротик мстительный бессмертных книг,

     Веками изощрен, бьет без ошибки.

      Валерий Брюсов


Сегодняшний гость рубрики «Разноцветный мир детства» Крестьянский мальчик. 1881 
Чехов Николай Павлович (1858–1889)
ecf20444-6a56-45d8-b39d-b1f6885f9ce3.jpg

Сегодня имя Николая Павловича Чехова многим любителям отечественной культуры скорее напомнит о его прославленном младшем брате – писателе и драматурге Антоне Павловиче Чехове. К сожалению, немногие знают, что Николай Павлович был профессиональным художником, обладал, по словам брата, «хорошим сильным русским талантом». Ранняя смерть не дала раскрыться в полную силу его дарованию, но художественные способности, заложенные в его яркой артистической натуре, дали прекрасные плоды – интересное и разнообразное наследие.
Талант Н.П. Чехова оказался чутким к различным жанрам. Он был замечательным портретистом, писал интересные жанровые картины – бытовые и исторические, пейзажи, работал в области монументально- декоративной и театрально-декорационной живописи. Сегодня о его наследии можно судить не только по сохранившимся произведениям, но по тем, которые упоминаются в письмах, мемуарной литературе, по отзывам о его творческих достижениях современников, в большинстве своем входивших в ближайшее окружение художника.
Первые шаги в искусстве Н.П. Чехова были связаны с иллюстрацией и карикатурой. В это время он тесно сотрудничает с братом Антоном, выступая в известных юмористических журналах Москвы и Пе- тербурга как незаурядный график. Именно ему принадлежат первые иллюстрации литературных опытов Антона Павловича Чехова. Не менее интересно оказалось его живописное наследие, особенно ярко проявившееся в жанре портрета. Особенно привлекательны оказались для него образы родных и близких ему людей. Он – автор первых двух прижизненных портретов брата – А.П. Чехова (н. 1880-х гг. – 1883); в июне 1885 года им создан портрет друга и однокурсника по Московскому училищу Исаака Левитана. Последнее произведение стало одним из лучших портретных изображений выдающегося пейзажиста.
Особое место в портретном наследии автора занимает небольшой холст «Крестьянский мальчик», хранящийся сегодня в Таганрогском художественном музее. Долгое время он бытовал в частном собрании, у потомков известного московского коллекционера Ф.Е. Вишневского, и именно тогда приобрел свое второе название – «Ванька Жуков». Датированный 1881 годом, этот портрет является вариантом аналогичного изображения 1880 года, находящегося в Московском доме-музее А.П. Чехова. Московский портрет сохра- нил любопытную авторскую надпись на холсте: «Павлин Петр». Художник зафиксировал имя позирующего ребенка только на одном полотне, что позволило коллекционерам впоследствии с легкостью «окрестить» имеющийся в собрании вариант именем столь хрестоматийного и популярного литературного персонажа. Изображенного на таганрогском портрете того же Петра Павлина до сих пор называют Ванькой и с полной уверенностью думают, что именно так выглядел герой известного чеховского рассказа. Действительно, Н.П. Чехову удалось создать удивительно живой детский образ, трогательный и лиричный, не лишенный печальных ноток, с ярко выраженными индивидуальными и одновременно типическими чертами. И никого не смущает, что знаменитый рассказ А.П. Чехова «Ванька» появился на свет только спустя пять лет после написания этого детского образа.
Перед нами невеселый крестьянский мальчуган лет семи. За еще детскими чертами проглядывается уже сложившийся характер маленького человека – гордый и сильный. Естественно и непринужденно, свободной, уверенной кистью художник живописует лицо своего избранника: поджатый рот, полуоткрытые, слегка вы- пяченные губы, «упрямый» подбородок, решительно вздернутый курносый нос, грустно задумчивые глаза. Все физиономические подробности еще характерней проступают в избранном художником четко профильном изображении. Особую выразительность придают облику мальчика волосы, золотистые, давно не стриженные, топырящиеся во все стороны, выбивающиеся из-под надвинутого на лоб взрослого картуза.
По счастливой случайности или по воле провидения эта работа через сто лет после ее создания оказалась на родине художника – в Таганроге. Мастерски исполненная, дающая представление о замеча- тельном живописном даровании Николая Чехова, она заняла достойное место в собрании Таганрогского художественного музея, насколько известно, единственного из художественных музеев, представляющих произведение незаслуженно забытого, но безусловно талантливого русского художника.

Здравствуйте, друзья! Пока учёная кошка Молли спит, в рубрике «Мой ласковый и нежный зверь» выскажусь я, добрый пёс Ральф. По-моему, моя коллега-мурлыка умышленно обходит стороной чудесную собачью тему… А между тем художники её очень любят — да и как нас не любить? Мы верны, преданны и по-настоящему ласковы. Вот вам в доказательство подборка работ из собрания ТХМ — и песенка Никитиных. Знаете такую? Если знаете, подпевайте!
Вуф-вуф — то есть до новых встреч! 
 Ральф.jpg
#МойЛасковыйИнежныйЗверь#инстаарт#собаки#люблюсобак#ясобачник#таганрогкультура

Рубрика «Книга - пища души».

Г. Г. Ряжский «Девушка с книгой».

Безымянный.png  

Есть книги — волею приличий

Они у века не в тени.

Из них цитаты брать—-обычай

 — Во все положенные дни.

В библиотеке иль читальне

Любой—уж так заведено —

Они на полке персональной

Как бы на пенсии давно.

Они в чести.

И не жалея

Немалых праздничных затрат,

Им обновляют в юбилеи

Шрифты, бумагу и формат.

Поправки вносят в предисловья

Иль пишут наново, спеша.

И — сохраняйтесь на здоровье,—

 Куда как доля хороша.

На них печать почтенной скуки

И давность пройденных наук;

Но, взяв одну такую в руки,

 Ты, время,

 Обожжешься вдруг…

Случайно вникнув с середины,

Невольно всю пройдешь насквозь,

Все вместе строки до единой,

Что ты вытаскивало врозь.

 

Александр Твардовский


Добрый день, дорогие друзья! 
Мы продолжаем рубрику "История простых вещей". И сегодня наш рассказ о тельняшке.
Тельняшка (в народе — тельник) — нательная полосатая рубаха (отсюда и название), которую как предмет униформы носят военнослужащие многих стран, но лишь в России она стала особым символом.
11635676 (1).jpg
Первыми в мире, робу с черно-белыми полосками надели рыбаки французской Бретани, чтобы уберечься от духов моря. Они верили, что в тельняшке, человек покажется духам моря скелетом и те его не тронут. В начале XVII века это суеверие распространилось по всему Старому Свету.
Начиная с 1852 года, по французскому стандарту тельняшка обязана была иметь 21 полосу — по числу крупных побед Наполеона. В свою очередь, голландцы и англичане предпочитали тельняшку исключительно с 12 поперечными полосами — по количеству ребер у человека.
В России подобного рода рубахи принято было носить преступникам в тюрьмах, а также палачам. Полосатые одежды надевали и всевозможные изгои общества. Впрочем, достаточно быстро отношение к тельняшке поменялось самым коренным образом. 
 В 1874 году, 19 августа, великий князь Константин Романов подписал указ о введении тельняшки в качестве элемента униформы для русских моряков. В указе говорилось, что одежда эта предназначена для ношения нижними флотскими чинами и членами экипажа.
Какой же на самом деле смысл полос на тельняшке? Если спросить любого российского моряка, то он наверняка ответит, что полосы на тельняшке означают синие полосы Андреевского морского флага. Только в других странах морские флаги были совсем другие, а тельняшка появилась в них гораздо раньше.
Другая версия – полосы обозначают морские волны. Надевая тельняшку, матросы желали таким образом показать уважение морю, слиться с ним всей душой. Возможно, что оттуда и пошла поговорка: тельняшка – душа моряка.
Более научная версия гласит, что изначально полосы на совершенно белую нательную рубаху нашивали сами голландские моряки: чтобы не сливаться на фоне белых парусов. Матрос, одетый в тельняшку, был хорошо различим как на палубе, так и на мачте и в воде. 
Поначалу за такое самовольство матросов наказывали: ведь начальству казалось, что из-за этих полос, часто криво и кое-как нашитыми, на борту царит беспорядок. Но матросская смекалка победила.
В Великую Отечественную войну, морскую пехоту называли «полосатыми дьяволами». До сих пор в России популярна поговорка: «Нас мало, но мы в тельняшках!». В годы войны ее дополняла другая: «Один моряк — моряк, два моряка — взвод, три моряка — рота». В первом же бою на суше 25 июня 1941 года под Лиепаей балтийские моряки обратили в бегство солдат вермахта, захвативших до этого половину Европы.
ТХМ_ОФ_1283.JPG
На современных тельняшках полосы могут быть не только синими:
Тельняшки с черными полосами носят подводники и морпехи;
Васильковые полосы на тельняшках спецназа ФСБ и солдат Президентского полка; 
Пограничники носят светло-зеленые тельняшки; 
Светло-голубые – в ВДВ;
Краповая тельняшка – часть формы МВД;
Оранжевая предназначается для сил МЧС.
Такова удивительная история тельняшки, и она ещё не закончена.

ТХМ_ОФ_1519.jpg
Таганрогский художественный музей представляет произведения книжной графики из коллекции музея.
Предлагаем вам познакомится с иллюстрациями Ирины Алексеевны Чарской к роману А.В. Калинина "Цыган" 1960г.
ТХМ_ОФ_1520.jpg
Школьные годы И.А. Чарской прошли в Ростове-на-Дону. В 1947 году И. А. Чарская поступила в Ленинградский художественный институт имени И. Е. Репина, училась у А. Ф. Пахомова и К. И. Рудакова. По окончании института Ирина Алексеевна возвращается в Ростов-на-Дону, и все её творчество непрерывно связано с родным городом.
Первая часть романа Анатолия Вениаминовича Калинина «Цыган» , изначально задуманного как повесть, вышла в 1961 году в журнале «Огонек»; последняя — девятая — в 2011 году уже после смерти автора. На протяжении сорока с лишним лет Калинин вновь и вновь возвращался к своим героям.

Николай Дмитриевич Дмитриев-Оренбургский (1837-1898) - русский жанровый и батальный живописец, академик и профессор Императорской Академии Художеств.
Работа Стрелецкий бунт раскрывает пред зрителем восстание московских стрельцов 1682г., в результате которого кроме Петра I был коронован его брат Иван V, а фактическим правителем стала царевна-регентша Софья — к власти пришёл клан Милославских.
Предлагаем Вам собрать пазл по работе Н. Д. Дмитриев-Оренбургский «Стрелецкий бунт».
image.png

Здравствуйте, дорогие друзья! С вами вновь яркая и очень теплая рубрика «Лето, ах лето...». Полюбоваться солнечным деньком из открытого окна нам предлагает Василий Нечитайло - народный художник, член-корреспондент Академии художеств СССР, лауреат Государственной премии им. И. Е. Репина. Его жанровые композиции и портреты стали классикой русской живописи эпохи СССР и экспонируются во многих музеях России и мира.
Перед нами интерьер комнаты, атмосфера которой тепла и уютна. Она навевает воспоминания о детстве, о поре давно ушедшей, но необычайно счастливой.
Совсем скоро вы сможете увидеть работу В. К. Нечитайло «Лето» на новой выставке «Гимн Солдату». А пока любуемся, мечтаем и….ждем!
LXiqPJ0Lwcw.jpg
В. К. Нечитайло «Лето» 1973.

MyCollages (4).jpg

Из окон Таганрогского художественного музея открывается восхитительный вид на скульптурный дворик. И пусть у наших посетителей сейчас нет возможности прийти к нам в музей и насладиться красотой природы и мраморных статуй, оживающих на фоне прозрачно-голубого неба и изумрудной зелени, мы решили порадовать вас, дорогие друзья, фотографиями нашего замечательного скульптурного дворика, который является продолжением экспозиции нашего музея под открытым небом.


Рубрика «Книга - пища души».

Божий М. М. «Студент»

 Безымянный.png

Люблю вас, далекие пристани
В провинции или деревне.
Чем книга чернее и листанней,
Тем прелесть ее задушевней.

Обозы тяжелые двигая,
Раскинувши нив алфавиты,
Россия волшебною книгою
Как бы на середке открыта.

И вдруг она пишется заново
Ближайшею первой метелью,
Вся в росчерках полоза санного
И белая, как рукоделье.

Октябрь серебристо-ореховый,
Блеск заморозков оловянный.
Осенние сумерки Чехова,
Чайковского и Левитана.

Борис Пастернак

Добрый доктор Айболит!
Он под деревом сидит.
Приходи к нему лечиться
И корова, и волчица,
И жучок, и червячок,
И медведица!
Всех излечит, исцелит
Добрый доктор Айболит!
MyCollages (3).jpg
Вот так, дорогие друзья, рубрика "Мой ласковый и нежный зверь" заглянула в гости к доброму доктору Айболиту Корнея Чуковского благодаря чудным иллюстрациям Виктора Малинки. Любуйтесь ими, читайте хорошие сказки и не болейте!
С нежным мурлыканьем, ваша Молли.  

Как славно бывает после дождя… 
Пусть полотна из нашего собрания подарят вам, дорогие друзья, тёплый отблеск этого чудесного ощущения!
#МузыкальнаяШкатулка

Сегодня давайте-ка попьём липового чаю… Или уж, во всяком случае, помечтаем о нём — душистом и сладком. А чтобы нам лучше мечталось, посмотрим на … чеховскую липу! Да-да, таковая живёт и кудрявится на рисунке художницы Елизаветы Редлих-Кривошапкиной, в названии которого обозначено местечко, где это чудное дерево прежде росло — Звенигород…
Там две июльские недели 1884 года  Антон Павлович трудился в больнице, заменяя друга-врача. Согласно звенигородским преданиям, в хорошую погоду Чехов отдыхал в саду своего приятеля Барминцева, неподалёку от больницы. Вместе они подолгу пили чай с малиновым вареньем (кажется, там до сих пор есть Малиновый овраг, где собирают эту ягоду), сидя на скамеечке под липой. 
В городе можно отыскать и здание той самой больницы, и дом, где жил писатель (на доме для верности целых две таблички!), а вот липы мы, увы, уже не встретим — её погубил ураган. Но на рисунке она жива и целёхонька — потягивается на солнышке, улыбается козе…
Добрая работа Елизаветы Павловны остановила время — как и полагается лучику искусства. К слову сказать, художница была наделена и литературным дарованием; так, она оставила интереснейшие воспоминания о Максимилиане Волошине, с которым была очень дружна. Впрочем, это уже совсем другая история…
 
#ПожалуйтеКчаю

Таганрогский художественный музей представляет произведения книжной графики из коллекции музея.  
Сегодня мы познакомимся с серией ксилографий А.Г. Мосина к повести А.П. Чехова «Степь». 
Анатолий Герасимович Мосин - известный ростовский график и книжный иллюстратор. Большая часть жизни художника была связана с Ростовом–на–Дону. 
MyCollages (2).jpg
Графический язык Мосина прост и ясен, в его композициях большое значение приобретает объём и свет. Авторский почерк особенно заметен в серии иллюстраций к повести А. П. Чехова «Степь». Анатолия Герасимович отразил все этапы пути героев этого произведения. Художнику удалось передать образ степи, живой стихии, которая так заворожила писателя, а затем и многочисленных читателей повести. 
Впервые «Степь» была впервые опубликована в журнале «Северный вестник», 1888, № 3. Импульсом к написанию «Степи» было путешествие в родной Таганрог, которое Чехов предпринял весной — летом 1887 года.    

Дорогие друзья!
x2J5gmPHeQI.jpg
Мы хотим познакомить вас с нашей новой рубрикой "ПОГОВОРИМ О ШЛЯПКАХ", которая расскажет о модных женских головных уборах России в разные эпохи!
Важнейшая и обязательная часть повседневной и праздничной русской народной одежды - женские головные уборы. Головной убор мог сказать человеку, смотрящему на женщину из какой губернии она прибыла, каково ее социальное положение, примерный достаток, но самое главное - замужняя ли это женщина или девица на выданье.
Разделения в прическах у молодых незамужних девиц и замужних женщин было очень четким. Девица всегда носила одну косу и обязательно (в теплое время года) открывала макушку и саму косу, а замужняя женщина должна была иметь две косы, но волосы должны быть всегда скрыты от посторонних глаз.
Так на картине Неизвестного художника I половины XIX века «Гадание» мы видим молодую девушку в венце.
«Венец», «коруна», «почелок», «ряска» - тип праздничного девичьего убора. Твердые венцы в виде подковы обрамляли девичье лицо подобно нимбу. Термин венец в применении к девичьему головному убору был известен ещё в XVI — XVII веках. В этот период венцом называлась лента, вытканная из золотых нитей, иногда на каркасе из луба или бересты, украшенная по всей окружности жемчугом, драгоценными камнями или их заменителями. Сзади ее могут украшать пышные банты из шелка, скрепленные брошами, сверху венец может покрывать легкая фата. Венец надевался на лоб и завязывался на затылке. При этом макушка головы была открытой.
Особый символический смысл нес жемчуг — основной материал, из которого изготавливался венец. Издревле жемчужные россыпи украшали богато орнаментированные, вышитые золотом княжеские одеяния. Жемчуг был атрибутом русской знати, теремной и дворцовой роскоши. Кроме того, как и во многих культурах, жемчуг на Руси был символом чистоты и невинности. В изготовлении венцов использовали мелкий речной жемчуг, который добывали на северных реках — Двине, Варзуге и малых реках Великого Новгорода, а также более крупный, привозной морской жемчуг.

У души цветочное настроение,
И пархает она с цветка на цветок.
Осторожней, прошу, осторожнее,
Очень хрупкий у них лепесток.
ab5c603a-d492-4b41-bd57-130e1d479ccb.jpg
Вашему вниманию представляем цветочный натюрморт кисти Юлии Оболенской (1889-1946) . На столе фарфоровая ваза и кувшины с весенними цветами. Ветка цветущей черемухи и в невысокой фарфоровой вазочке букет голубых первоцветов, а в глубине кувшин с цветами желтой купальницы.

MyCollages (1).jpg
Здравствуйте, дорогие друзья. Продолжаем наше морское путешествие по добрым азовским волнам - и снова любуемся произведениями Виктора Севастьянова. Сегодня вашему вниманию представляем чудесные виды Таганрогского залива. "Вид с моря", "Вид Таганрога", "Таганрогский пляж". Вы узнаете эти места и городские виды?

Добрый день, дорогие друзья! Мы продолжаем рубрику "История простых вещей". И сегодня для вас история "Кружев на вес золота".
MyCollages.jpg
Кружево один из самых древних  декоративных материалов. Хотя ажурные ткани с характерным орнаментом были найдены и в древнеегипетских захоронениях, полноценное кружево появилось только в период Возрождения  в Европе. 
Аристократы Старого света предпочитали позировать живописцам в костюмах, богато украшенных итальянскими, фламандскими или французскими кружевами. Хотя производство кружев было налажено в большинстве просвещенных европейских стран, считается, что Фландрия, Италия и Франция подняли ремесло кружевоплетения до уровня высокого искусства.
По мере того, как росла популярность кружев, увеличивалось количество стилей и техник его плетения, большинство из которых появилось в провинциях Бельгии. Поэтому именно Бельгию часто называют «родиной кружева». А самые красивые кружева в Бельгии делали в старинном городе Брюгге . Брюгге и кружева стали практически синонимами.
Начиная с XVI века, плетение кружева на коклюшках входило в программу обучения во многих частных школах для девочек и сиротских приютах Бельгии. Настоящее кружево ручного плетения всегда было не просто популярным но и модным и по-настоящему роскошным, а изготовляли его бедняки.
Отсутствие в Бельгии промышленности, безработица и нищета заставляли женщин и детей ( пальцы девочек, не огрубевших от тяжкой физической работы лучше всего подходили для этой работы) заниматься очень сложным, и трудоемким ремеслом - плетением кружев в сырых подвалах (чтобы кудель была влажной, а нить получалась эластичной и тонкой) которые часто они вынуждены были продавать за гроши. Нитки для кружев могли быть различными: бумажными, шерстяными, шелковыми, серебряными, золотыми, и, конечно, льняными. А в Италии для плетения кружев использовали даже нитки из алоэ! Неудивительно, что кружева тех лет охотно принимали в качестве оплаты при всевозможных расчетах.
С лёгкой руки Вольтера изящное выражение «война в кружевах» стало применимо к многочисленным войнам XVII–XVIII веков. Одни видят в этом словосочетании напоминание об эпохе, ещё не в полной мере перешедшей на униформу, другие — свидетельство благородных правил ведения войны, согласно которым берегли солдат, избежать кровавой битвы достоинство полководца…
Однако войны XVII столетия были в кружевах в самом прямом смысле словаю. Кружево к XVII веку вошло в невероятную моду. Оба пола стали отделывать им воротники-брыжжи, напоминавшие мельничные жернова, затем — сменившие их отложные воротники, а розетками из кружев — туфли и причёски. У дам кружева пошли на украшение платьев и косынок-фишю, у кавалеров — широкополых шляп и раструбов сапог.
Подобное щегольство стоило баснословных денег. Людовик XIV как-то раз истратил на «кружевные прихоти»для себя, своих родственниц и возлюбленных из казны более полумиллиона франков. Тогда в 1660 году первый министр Франции кардинал Мазарини, чтобы положить конец этой разорительной склонности издал эдикт «Правила против излишней роскоши в одежде». А в траты на кружева английского короля Карла II вынужден был вмешаться парламент страны. Когда король захотел к каким-то придворным торжествам новый кружевной воротник, парламент, посовещавшись, счёл расходы разорительными и посоветовал монарху… постирать старый.
Плетением кружев занимались целые города и села. Захватить кучу готовых изделий ценой на вес золота и тем более опытных кружевниц — стало отличным поводом к началу военных действий, вошедших в историю под названием «кружевных войн». На пагубной страсти к кружевам разорялись целые семьи, так что власти Франции и Англии в конце концов запретили их ввоз, породив чудовищную кружевную контрабанду. Во Франции на протяжении всего XVII века запрет вводили трижды, и каждый раз безуспешно. Незаконно ввезённые во Францию иноземные кружева подвергались публичному сожжению. Одновременно ставленник кардинала Мазарини,  министр финансов Жан-Батист Кольбер, в своём замке близ Алансона он организовал школу кружевниц, пригласив туда мастериц с венецианского острова Бурано. Спустя год алансонские кружева уже было не стыдно подарить королю, а к концу столетия Франция обзавелась полноценной кружевной промышленностью…
Кружева покрывали французских кавалеров с ног до головы, причём дворяне шпаги слыли большими модниками, чем дворяне мантии. Красавцы военные, будь то мушкетёры короля или гвардейцы кардинала, даже на поле боя блистали шитыми золотом перевязями и кружевными манжетами. Люди, каждый день рискующие жизнью, могли иметь маленькие слабости: «Их жизнь столь коротка, а роскошные костюмы — их единственное утешение». 
Истории про кружевные перемирия, будто бы заключавшиеся во время Семилетней или Тридцатилетней войн для того, чтобы сражавшиеся без перерыва офицеры могли постирать и высушить свои многочисленные кружева, скорее всего,  легенда . 
А вот история кружевных галстуков, от которых берёт начало современный мужской галстук, вероятнее всего, правда. В 1635 году участвовавшая в Тридцатилетней войне Франция завербовала хорватских наёмников. Благодаря славе отменных вояк, их внешний вид,  стал образцом для подражания, в особенности же — белоснежные шёлковые шейные платки, украшенные изысканным кружевом. Их быстро переняли и французские офицеры, назвав их на свой манер «krvat» (от самоназвания воинов-хорватов — hrvat) или «cravate», как и по сей день называют галстук по-французски.

Здравствуйте, дорогие друзья! С вами снова я, учёная кошка Молли, ведущая рубрики «Мой ласковый и нежный зверь». И сегодня, в День библиотек, мы с вами окунёмся в мир литературной классики!
… «Говорили, что на набережной появилось новое лицо: дама с собачкой. Дмитрий Дмитрич Гуров, проживший в Ялте уже две недели и привыкший тут, тоже стал интересоваться новыми лицами. Сидя в павильоне у Верне, он видел, как по набережной прошла молодая дама, невысокого роста блондинка, в берете: за нею бежал белый шпиц».
Вот так начинается знаменитый рассказ Чехова «Дама с собачкой». С моей кошачьей точки зрения, ничуть не хуже этого шпица в романтичной Ялте писателя смотрелась бы симпатичная кошечка… Но Антону Павловичу, конечно, видней; да и его сероглазая дама пленила белый свет именно в такой  компании.
Её милый образ чарует и художников. В собрании ТХМ живёт несколько чудесных дам – и все, ясное дело, с собачками. Впрочем, наличие этого лающего создания – единственное, что, помимо названия, роднит фигурки, которые мы сегодня рассмотрим.
Бронзовая дама Анатолия Гаврикова – таганроженка; она моложе своих названных сестёр – в её художественном  «паспорте» как год рождения обозначен 2004-й год. У неё по-девичьи тоненькая талия и премилое весёлое личико.
А вот грустновато-строгая дама Нины Мухатаевой – москвичка; её образ-майолика появился в художественном мире в 1979 году. Её сиреневый наряд элегантно-прост и лаконичен…
Совсем другое дело – дама-кировчанка работы Екатерины Косс-Деньшиной! Выполненная в 70-х годах по канону дымковской игрушки, она очень ярка, пышна и румяна…
Молли-Чехов.jpg
Признавайтесь –которая из дам вам по вкусу?)

Дорогие друзья! 
В преддверии Междунарожного дня защиты детей мы начинаем новую рубрику «Разноцветный мир детства».
Попов Лукиан Васильевич (1873 - 1914) 
Подпасок. 1899 год
60c5e9fe-63b3-48db-adcd-7c1620f02523.jpg
Перед нами пленэрный этюд с натуры. Погрудное изображение мальчика лет 12, в белой рубашке и желтой соломенной шляпе. Верхняя половина лица, покрасневшего от загара, в тени. Фигура и лицо повернуты влево. Взгляд направлен на зрителя. Внизу справа монограмма: ЛП; слева дата: "IV/VII 99 г.".

MyCollages (1).jpg
Дорогие друзья, предлагаем вашему вниманию новую романтическую рубрику под названием "Морская душа". Начнем мы её работами таганрогского художника Виктора Севастьянова "Море ночью. Этюд", "Море перед грозой", "Яхты". Художник любил Таганрог, с удовольствием любовался зеленоглазой азовской волной и позволял ей плескаться на своих полотнах...

Безымянный.png

 Сегодня, 27 мая, день основания Санкт-Петербурга. История прекрасного города на Неве  берет свое начало с 1703 года, когда Петром I была заложена крепость под названием Санкт-Питер-Бурх на земле Ингерманландия, отвоеванной у шведов. В ходе Северной Войны  русская армия во главе с Петром I отвоевала в битве шведскую крепость Ниеншанц. Для того,  чтобы закрепить свои позиции на этой территории, Пётр отдал приказ основать неподалёку от крепости город. Пётр самостоятельно обследовал  ближайшие территории, чтобы найти более подходящее место – оно должно было находиться рядом с морем и быть пригодным для жизни. Поиски привели его на Заячий остров. Вскоре на этом месте выросли первые укрепления. После строительства во внутреннем дворе крепости собора имени Петра и Павла, её стали называть Петропавловской. Новый город развивается очень быстро – вскоре после строительства крепости работы ведутся и на нескольких ближайших островах. Петр с самого начала задумывает Петербург как новую столицу и «окно в Европу», поэтому город намерено застраивается на манер европейских столиц.

Следующим по важности зданием стали верфи – Адмиралтейство. Основание Адмиралтейства в Санкт-Петербурге в 1704 году позволило городу с первых своих дней стать крупным морским портом. В 1706 году началась активная застройка территорий вокруг крепости и верфей. Не дожидаясь окончания застройки,  Петр переносит столицу из Москвы в Петербург. Здесь же теперь находятся все важнейшие органы государственного управления,  и почти на 200 лет Санкт-Петербург становится столицей Российской Империи.

Существует  ошибочное мнение, что название города связано с основанием Санкт-Петербурга Петром I, но это не так. При закладке город назван в честь апостола Петра, который является покровителем Петербурга и самого императора.

В 1914 году, после вступления России в Первую Мировую Войну город переименовывают в Петроград. Во многом это связано с царящими в то время анти-германскими настроениями (корень «бург» идет от немецкого – город). В 1924 году город снова переименовывается, на этот раз в Ленинград. Город назван в честь умершего В.И. Ленина. И только в  1991 году город возвращает свое историческое название.

Таганрог также неразрывно связан с именем императора  Петра I. Именно благодаря мощной воле Петра, поставившей «на дыбы» всю Россию, был создан и наш город. Ну а в собрании Таганрогского художественного музея находится « Портрет Петра I»  неизвестного художника XVIII века.


Рубрика «Книга - пища души».

А. С. Степанов «Девушка с книгой. Этюд».

 Безымянный.png

 Из рая детского житья

Вы мне привет прощальный шлете,
Неизменившие друзья
В потертом, красном пререплете.
Чуть легкий выучен урок,
Бегу тот час же к вам, бывало,
— Уж поздно!- Мама, десять строк!…-
Но, к счастью, мама забывала.
Дрожат на люстрах огоньки…
Как хорошо за книгой дома!
Под Грига, Шумана и Кюи
Я узнавала судьбы Тома.
Темнеет, в воздухе свежо…
Том в счастье с Бэкки полон веры.
Вот с факелом Индеец Джо
Блуждает в сумраке пещеры…
Кладбище… Вещий крик совы….
(Мне страшно!) Вот летит чрез кочки
Приемыш чопорной вдовы,
Как Диоген, живущий в бочке.
Светлее солнца тронный зал,
Над стройным мальчиком — корона…
Вдруг — нищий! Боже! Он сказал:
«Позвольте, я наследник трона!»
Ушел во тьму, кто в ней возник.
Британии печальны судьбы…
— О, почему средь красных книг
Опять за лампой не уснуть бы?
О золотые времена,
Где взор смелей и сердце чище!
О золотые имена:
Гекк Финн, Том Сойер, Принц и Нищий!

 

Марина Цветаева


11077233.jpg
Добрый день! Говорят, что каждое время года по-своему прекрасно, а лето - особенно, так как мы ждем его целый год и хотим от него солнца, тепла, радостных событий. Считанные дни остаются до этого замечательного, солнечного времени года. Поэтому сегодня мы начинаем новую рубрику «Лето, ах лето...».
Лето всегда вдохновляло творческих людей на создание шедевров: поэты писали стихи, композиторы музыку, а художники - картины.
Так и случилось народным художником Российской Федерации Владимиром Никитовичем Телиным. Летом 1979 года он со своей семьёй приехал отдыхать на турбазу. Поездка оказалась судьбоносной. Здесь неожиданно для себя нашёл он благодатную почву для творчества. Ошеломляющая красота природы, патриархальный уклад ещё не исчезнувших с лица земли русских деревень и их обитатели – люди особого склада – покорили сердце художника.
По месту своего рождения Владимир Никитович москвич. Первые осознанные годы его жизни прошли в деревне Пензенской области. Впечатления деревенского детства, как вспоминал художник, оставили неизгладимый след на всю взрослую жизнь.
Перед нами жанровая картина Телина В.Н., которая так и называется «Лето в деревне». В ней передан одухотворенный, прекрасный и спокойный мир русской деревни. И, конечно же, вся прелесть теплого и чудесного лета!

Телин В. Н. Лето в деревне (1981)

MyCollages (2).jpg
  Здравствуйте, дорогие друзья! С вами снова я, ученая кошка Молли - ведущая рубрики "Мой ласковый и нежный зверь". Сегодня я предлагаю вам полюбоваться моими старшими братьями - тиграми. Посмотрите, какие они яркие на цветной линогравюре художника - сказочника Виктора Малинки. А сколько достоинства в акварельной фигуре зверя на рисунке Серафимы Блонской!.. Глядя на эти работы, я особенно горжусь своим родством с этими грациозными животными...

Рубрика «Книга - пища души».

С. И. Блонская «Девушка с книгой».

 Безымянный.png

Полюбил я тишину читален.

Прихожу, сажусь себе за книгу

И тихонько изучаю Таллин,

 Чтоб затем по очереди Ригу.

Абажур зеленый предо мною,

Мягкие протравленные тени.

Девушка самою тишиною

Подошла и принялась за чтенье.

У Каррьеры есть такие лица:

Всё в них как-то призрачно и тонко,

Таллин же — эстонская столица…

Кстати: может быть, она эстонка?

Может, Юкка, белобрысый лыжник,

Пишет ей и называет милой?

 Отрываюсь от видений книжных,

 А в груди легонько затомило…

Каждый шорох, каждая страница,

Штрих ее зеленой авторучки

Шелестами в грудь мою струится,

Тормошит нахмуренные тучки.

Наконец не выдержал! Бледнея,

Наклоняюсь (но не очень близко)

И сипяще говорю над нею:

«Извините: это вы — английский?»

Пусть сипят голосовые нити,

Да и фраза не совсем толкова,

 Про себя я думаю: «Скажите —

Вы могли бы полюбить такого?»

«Да»,— она шепнула мне на это.

Именно шепнула!— вы заметьте…

 До чего же хороша планета,

Если девушки живут на свете!


Илья Сельвинский



В преддверии дня библиотек Таганрогский художественный музей представляет произведения книжной графики из коллекции музея.
MyCollages (1).jpg
Сегодня мы рассмотрим заставки к книге А.Антоновской "Георгий Саакадзе" выполненные графиком Г.А. Кварцовым в технике ксилографии хранятся в Таганрогском художественном музее.
Кравцов Гершон Абрамович (1906– 1981) - художник-график, ученик В.А. Фаворского,
Кравцов под руководством Фаворского овладел законами графического оформления книги. Он выработал свой стиль в гравюре, отличающийся лаконизмом, умением раскрыть основную тему. Особенно ярко проявился талант художника в иллюстрировании и оформлении литературных произведений. Более пятисот книг на счету у Кравцова - это произведения писателей разных национальностей и стран.
Анна Арнольдовна Антоновская (1885/1886— 1967) — русская советская писательница. Первая женщина, удостоенная Сталинской премии в литературе (1942). Всё детство и юность её прошли в Закавказье. Во время одного из своих путешествий по Грузии Анна впервые услышала имя Георгия Саакадзе. С тех пор она начала собирать в разных регионах Грузии предания и народные сказания о Георгии Саакадзе, досконально изучать многочисленные исторические документы. Роман рассказывающий о Георгии Саакадзе, грузинском полководце рубежа XVI—XVII вв., вышел в шести книгах под названием «Великий Моурави» книги публиковались с 1937г. по 1958г.

image.png
26 мая по юлианскому календарю (7 мая по григорианскому) был освящен Храма Христа Спасителя. Освещение было приурочено ко дню коронования на Престол Императора Александра III. Во время торжественной церемонии в северном углу храма стояли ветераны Отечественной войны 1812 года, их оставалось уже не много. Государь беседовал с ними, и наградил каждого Георгиевским крестом. Так же в храме была установлена мемориальная доска по поводу освящения храма.
Храм Христа спасителя был разрушен (взорван) в 1931году, чтобы на его месте возвести Дворец Советов. К сожалению, на том месте был построен лишь громадный бассейн «Москва». На сегодняшнее время храм полностью восстановлен.
Художник Николай Михайлович Чернышев запечатлел вид на Храм Христа Спасителя в 1925 году.
Н.М. Чернышев «Старая Москва. Храм Христа Спасите

Добрый день дорогие друзья!

 Мы начинаем для вас новую рубрику – История моды и костюма! Мы побываем в разных эпохах, странах и континентах. И познакомимся с многими народами.  И начинаем мы с костюма Древней Греции.

MyCollages.jpg

В Древней Греции большое значение придавалось формам человеческого тела. Идеал красоты человеческого тела описан и в поэзии Гомера, в драматических произведениях, в работах философов, историков и летописцев, раскрывающих значение красоты человеческого тела в культуре Древней Греции. Красоте придавалось такое большое значение, что она могла стать причиной вооруженных конфликтов (Троянская война). Помимо красоты образ жизни эллинов определялся также такими ценностями, как истина и добро, которые находились в единстве. Прекрасное приравнивалось к добру. Древние греки создали совершенный тип драпированного костюма. Он изготовлялся из прямоугольных кусков ткани, одинаковых по форме и величине, но благодаря множеству драпировок, создававших свой особый ритм и динамику. Пластика драпировки и осанка фигуры ценились гораздо выше стоимости ткани и красоты орнамента.

Первоначально было два варианта греческого костюма: ионический и дорийский Греческий костюм состоял из нижней одежды и плаща, или накидки. Хитон носили и мужчины, и женщины, и дети. Он не выкраивался и не шился, его изготавливали из длинного прямоугольного куска ткани. Хитоны могли быть из шерсти или льна, которые легко драпировались. Позже, с развитием торговли, в Грецию стали привозить узорчатую персидскую материю, сирийский шелк, финикийские пурпурные ткани.

В начале греки носили одежду только домашнего изготовления и в основном белого цвета. Но с развитием ткацкого и красильного ремесла появились разноцветные ткани с узорами. Ионийцы носили длинные, ниспадающие пышными складками одежды с восточными мотивами. Постепенно возник греческий орнамент. Знатные греки, одевавшиеся в белые одежды, украшали им ворот, подол, рукава. Вначале орнамент был узким, потом стал шире и массивнее.

 

В VII-VI вв. до н. э. мужчины еще ходили в набедренной повязке, но уже были широкие хитоны с короткими рукавами. Верхней одеждой служил «гиматий» — плащ из прямоугольного куска ткани. Носили его по-разному: накидывали на плечи, обертывали вокруг бедер, перекидывая конец через руку или заворачивались в него полностью. В классический период мужчины носили короткие хитоны без рукавов. Прямоугольный кусок ткани складывался вдвое в долевом направлении, края сшивались, на плечах ткань закреплялась застежками - фибулами. Подол подшивали. Неподшитые хитоны носили только рабы или во время траура. У хитона могли быть короткие рукава — такие носили свободные граждане. А у рабов он был с одним рукавом - на левое плечо. Для путешествий была особая одежда: плащ-хламида, украшенный орнаментом, сандалии или короткие сапожки и шляпа - «петас» с широкими полями. В V в. до н.э. гиматий значительно увеличился, а способ его драпировки стал более совершенным.

Женская одежда периода архаики состояла из узкого хитона, длинной юбки и короткой кофточки без рукавов. На смену которой пришел хитон, поверх которого через одно плечо накинут драпированный шарф — «фарс». Эта одежда трансформировалась в хитон с длинными широкими рукавами.

Наиболее ранним дорийским костюмом был «пеплос» - прямоугольный кусок ткани, который складывали в длину пополам, сверху отгибали приблизительно на 50 сантиметров и застегивали на плечах фибулами. Отворот — «диплоидий», украшали каймой, драпировали. Диплоидий можно было накинуть на голову. Пеплос не сшивался и при ходьбе с правой стороны распахивался.

В V в. до н.э. костюм гречанки состоял из хитона, изготовленного из двух широких кусков ткани. Ткань скреплялась застежками от плеч до запястий. От талии до груди хитон крестообразно подвязывали поясом и драпировали, образуя напуск из глубоких складок — «колос». Молодые девушки носили хитоны, в которых на сгибе делался разрез для руки, а верхние концы ткани закреплялись на другом плече застежкой. Края хитона не сшивались. Длина одежды была различна. В качестве верхней одежды женщины использовали гиматий.  Рабыни не имели права носить гиматии и длинные хитоны. 

Обувь в Древней Греции. Древние греки долго ходили босыми. Но постоянные военные походы, путешествия, торговля с дальними странами «заставили» их обуться. Обувью древним грекам служили сандалии, которые подвязывали к ногам переплетенными ремнями. Само слово «сандалии» в переводе с греческого означает «подошва, прикрепленная к ноге ремешками». Ремешки могли нарезаться из самой подошвы. Обувь на толстой подошве, которая привязывалась к ноге ремнями или закреплялась кожаными шнурами, называлась «крепиды».

Прически греки носили разные, обязательным был лишь уход за волосами. Густые пышные волосы считались главным украшением. В более древние времена, до персидских войн, волосы заплетались в косички или связывались в пучок. Спартанцы вначале носили короткие стрижки, но после победы над агривянами стричься не стали. Густые длинные волосы и борода являлись признаком мужественности и аристократизма, а короткие волосы указывали на низкое происхождение. Александр Македонский ввел новые порядки - мужчины стали брить бороду, а волосы коротко стричь или завивать. Длинные волосы носили только мальчики до шестнадцати лет и старики. Обычно греки не покрывали голову. Шапки или шляпы они надевали во время путешествий, на охоте или в непогоду.

У женщин прическа должна была закрывать лоб: высокий лоб считался некрасивым. Укладывали волосы гречанки по-разному: зачесывали назад и собирали в пучок, закалывая на затылке; завивали по всей голове в локоны и поднимали вверх, подвязывая лентой; заплетали в косы и обвивали ими голову. Прически женщин гармонировали с их одеждой. Голову покрывали вуалью, ниспадавшей густыми складками, или повязывали большие пестрые платки.

Гречанки пользовались косметикой — белилами, румянами, сурьмой; благовониями и маслами. Тело натирали порошком мела, смешанным со свинцовыми белилами, чтобы придать ему белизну. Из растертых в порошок душистых цветов готовилась пудра. За лицом и телом своих господ ухаживали специальные рабыни, которые назывались «космет», что означает «приведение в порядок» (отсюда — слово «косметика»). Древние греки вовсю применяли массаж и гигиенические ванны, разные масла и мази для ухода за кожей и ногтями, средства для чистки зубов, окраски волос, ароматизации тела. Гречанки пользовались зеркалами, зонтиками, гребнями.

Женщины украшали себя изящными ожерельями из золота и серебра, браслетами, золотыми сетками для волос, цепочками, серьгами, кольцами, перстнями с драгоценными камнями. Браслеты надевались на руки и на ноги. Прически украшались золотыми булавками. Но самым нарядным и дорогим украшением считалось ожерелье. Оно могло состоять из цепочки с нанизанными на нее жемчугом и драгоценными камнями.

В Древней Греции украшения носили только женщины. Мужчинам украшать себя считалось неприличным. В Спарте был даже издан закон, запрещавший мужчинам носить украшения.

image (1).png

Единственное, что позволяли себе греки, — это перстни. Вначале золотые и серебряные перстни с резными камнями служили печатью, но постепенно стали просто украшением, и мужчины стали носить их по несколько на одной руке.


Вильгельм фон Линденшмидт
«Мальчик с книгой»
Безымянный.png
Рубрика «Книга - пища души». 
Николай Гумилев
В библиотеке
О, пожелтевшие листы
В стенах вечерних библиотек,
Когда раздумья так чисты,
А пыль пьянее, чем наркотик!
Мне нынче труден мой урок.
Куда от странной грезы деться?
Я отыскал сейчас цветок
В процессе древнем Жиль де Реца.
Изрезан сетью бледных жил,
Сухой, но тайно благовонный…
Его, наверно, положил
Сюда какой-нибудь влюбленный.
Еще от алых женских губ
Его пылали жарко щеки,
Но взор очей уже был туп,
И мысли холодно-жестоки.
И, верно, дьявольская страсть
В душе вставала, словно пенье,
Что дар любви, цветок, увясть
Был брошен в книге преступленья.
И после, там, в тени аркад,
В великолепьи ночи дивной
Кого заметил тусклый взгляд,
Чей крик но слышался призывный?
Так много тайн хранит любовь,
Так мучат старые гробницы!
Мне ясно кажется, что кровь
Пятнает многие страницы.
И терн сопутствует венцу,
И бремя жизни — злое бремя…
Но что до этого чтецу,
Неутомимому, как время!
Мои мечты… они чисты,
А ты, убийца дальний, кто ты?!
О, пожелтевшие листы,
Шагреневые переплеты!


image.png

Петр Лаврентьевич Каменев родился в 1764. Учился в Академии Художеств с 1770 г. по 1785 г. был учеником живописца-анималиста Ивана Гроота. В 1785 г. окончил обучение с аттестатом 2 степени. Живописец класса зверей и птиц.  

Работа «Лисица с уткой», хранящаяся в Таганрогском художественном музее, относится к жанру охотничьего натюрморта. Так называемый «охотничий» натюрморт изображал мертвую дичь и рыбу и был очень популярен у богатой аристократии.  В России этот жанр  приобретает популярность во время правления Елизаветы ПетровныИмператрица  увлекалась охотой, любила также и изображения охотничьих сцен, диких зверей и домашних животных. 

Предлагаем Вам собрать пазл по работе П.Л. Каменева «Лисица уткой»

 https://www.jigsawplanet.com/?rc=play&pid=236336306cf4


Ливада Николай Николаевич. 1941 г.р.
Натюрморт розовый
2b31b05f-80aa-4853-8519-8d261f46b7c5.jpg
Родился 24 октября 1941 года в хуторе Самойлов Гульчевского района Краснодарского края. С 1965 по 1969 годы учился в Ростовском художественном училище им. М.Б.Грекова на театральном отделении. После окончания училища с 1970 года главный художник Таганрогского драматического театра им. А.П.Чехова. Параллельно с театральной деятельностью работал в станковой живописи. Работам художника присущи особая яркость и неповторимость. Мир цветов это целый мир - огромный, сложный, разнообразнейший и очень красивый мир, поражающий своей утонченной гармонией. На старинном резном стуле с высокой спинкой изображена стеклянная банка, в которой веером расположены несколько стеблей цветов синевато-фиолетового цвета (ирисы).

Мистические персонажи художественного музея - "История Весталки".
f16590539dbd20de6b23ddb13feea02b.jpg
Егор Ильич Ковригин получил признание как иллюстратор, однако, через всю творческую жизнь пронес интерес к живописи, к созданию больших композиций на исторические и мифологические темы. Он с увлечением занимался исторической живописью в Академии художеств и продолжил совершенствоваться после ее окончания. Интерес к этой тематике захватил Е.И. Ковригина во время поездки в Италию. Увлеченный мастерами эпохи Ренессанса, особенно Рафаэлем, молодой художник усердно копирует работы великого итальянца, вникая в стилистические особенности его произведений. Возвратившись в Россию в 1851 году, художник представляет в Совет Академии законченную картину «Весталка» за которую удостаивается звания «назначенного». И вновь уехазжает в Рим. Где работает над большой исторической композицией «Овидий читает свои произведения на форуме», которую закончить, увы, не успевает. «Весталка», стала единственным достижением Ковригина как исторического живописца. Сюжет картины навеян римской  историей, связанной с  культом богини домашнего очага Весты. Весталки – жрицы храмов этой богини, дававшие обет безбрачия и целомудренности, чтились в Древнем Риме как покровительницы домашнего очага и семейного счастья. Их обязанности заключались в поддержании священного огня и совершении жертвоприношений. Римское общество относилось к ним с благоговением, считая проводимые ими обряды крайне необходимыми для благополучия римлян. Эти женщины обладали неприкосновенностью и были очень богаты, так как получали дары от императора. Когда весталка перемещалась по городским улицам, народ почтительно расступался. Впереди ее колесницы или носилок обязательно шествовал ликтор. Оскорбление жрицы Весты каралось смертной казнью. Достаточно было лишь попытаться пробежать под ее носилками, чтобы расстаться с жизнью. Если случайно на пути следования попадался преступник, препровождаемый к месту казни, весталка могла его помиловать.
Выбирали жриц по жребию среди девочек от 6 до 10 лет. Избраннице обрезали волосы и прикрепляли их к священному дереву. После этого облачали в белую тунику, на голову надевали повязку. С этого момента она становилась весталкой на долгие тридцать лет. По прошествии этого времени женщина получала свободу и имела право выйти замуж. Весталки должны были хранить целомудрие, нарушивших данное требование ожидало страшное наказание: погребение заживо. Процессия направлялась к месту погребения и римляне молча провожали ее взглядами. Для города это было большое горе.
Казнь весталки считалась грехом, поэтому формально ее как бы не было. В заранее вырытое подземелье жрица, укрытая покрывалом, спускалась самостоятельно. Затем лестницу поднимали, вход засыпали. Несчастная оставалась замурованной под землей с запасом продуктов на один день. 
Однако были весталки, которые спаслись от наказания путем совершения чудес. Квинта Клавдия смогла сдвинуть корабль, днище которого было затянуто илом, слегка потянув его за трос. После такого поступка уже никто не смел сомневаться в ее целомудрии. А Туккия, удивительным образом набрала воду из Тибра в решето и донесла ее до Форума.
В 391 году император Феодосий ввел запрет на языческие верования. Священное пламя в храме богини Весты было потушено. Однако Весталки  на долгие времена стали олицетворением идеала чистоты и непорочности.
 Ковригин изображая одну женскую фигуру полностью сосредоточился на образа жрицы.  Художник помещает фигуру в полукружие арки, так называемое «ренессансное окно». Подобный композиционный ход, ведущий свое начало от алтарного образа,  придает монументальность образу. Мягкие  складки красного плаща вторят линиям фигуры, рук, изящному наклону головы, плавному изгибу шеи. Мы видим ясные и спокойные черты героини: высокий чистый лоб, правильной формы нос, красивый мягкий рот. Картина привлекает цельностью и возвышенностью, чарует гармонией образа. 

 Добрый день, дорогие друзья! Мы продолжаем нашу рубрику "История простых вещей". И сегодня мы поговорим о происхождении Павловского платка.
ТХМ_ОФ_544.jpg
Художник Павел Шмаров успел состояться в России, стать в 1916 году академиком и придворным портретистом. В последствии эмигрировал во Францию.
Стиль Шмарова объединил русские традиции и французские веяния. В его полотнах с русскими крестьянками чувствуется сияние импрессионизма. Лица, фигуры, цветы передают особенное чувство цвета живописца, недаром во Франции его прозвали "русским Ренуаром".
Чему подтверждением является "Женский портрет"(Портрет госпожи Серовой) из собрания музея. Обратите внимание, как образ девушки, русский национальный характер, подчеркивает цветастый платок, с голубой каймой и крупными розовыми цветами.
Голову в России женщины покрывали всегда. Девица могла ходить с непокрытой головой, а вот замужней женщине это было уже не по статусу. Отсюда пошел известный фразеологизм "опростоволоситься" – то есть носить просто волосы, опозориться.  Незамужняя девица заплетала волосы в одну косу. Сосватали - вплетала в косу ленту. Незамужние девицы носили венцы, замужние прятали это украшение в сундук. Или его выкрадывал жених.
После замужества девушке заплетали две косы, поднимали их и закалывали вокруг головы, а сверху покрывали головным убором: отныне никто не должен был видеть ее голову непокрытой. В X-XI веках головной убор замужней женщины назывался "повойником", по внешнему виду напоминал современное полотенце. В XV-XVI веках женщины сменили его на "убрус" – красное и белое полотно с вышивкой и жемчугом, концы которого спадали на плечи и грудь, потом канаваты (огромные парчовые головные покрывала), которые носили до 30-х годов XIX века.
Постепенно в моду входят платки. Как их только не носили - и домашнего изготовления, и фабричного, и набивные, и шелковые тканые. Фабричные платки были дорогим удовольствием, не каждая семья могла себе их позволить, да и носили их не каждый день - использовали лишь по праздникам. Поэтому платок кроме непосредственной функции еще и помогал демонстрировать статус своей владелицы.
Вся одежда была строго регламентирована - возраст, статус, какой платок, какой наряд. В северных областях России девушки, выходя на гулянье, накидывали на руку шали фабричного изготовления. И не одну - их бывало до шести. Таким образом она сообщала окружающим о достатке своей семьи. Но красивыми хотели быть все, а не только богатые. Поэтому расцветает производство набивных платков как альтернатива дорогостоящим тканым платкам и шалям.
 Павловопосадская мануфактура существует уже более 200 лет и платки не выходят из моды. В привычном для нас виде они появились только в шестидесятых годах XIX века, сформировали новую моду и стали русской классикой.
Как рождаются набивные платки?  Сначала на бумаге создается рисунок, который затем переносят на деревянную доску. Такие доски называются манеры и цветки. На них наносят четверть рисунка, реже - половину, а сложные рисунки могут иметь до 24 частей. Готовое полотно для будущего платка натягивают на стол и закрепляют по периметру, чтобы не было перекосов. После этого к делу приступают набойщики. Обычно работает 2 мастера. Которые ходят по кругу вокруг стола. Набивка рисунка начинается с углов, затем заполняется середина. Набойную доску окунают в краску и прикладывают к ткани. У каждого рисунка, у каждого цвета свой шаблон. Для создания одного изделия порой требуется до 400 наложений досок, а количество используемых цветов может быть более двадцати. В итоге на полотне расцветают дивные букеты цветов!  Традиционный узор павловских платков - растительный, это цветы и листья. Рисунок может быть парадным и торжественным, а может выглядеть тонко и изящно. Пышные букеты перемежаются мелкими полевыми цветами, стебельками и листиками. Розы, георгины, хризантемы, лилии - чего только не увидишь!
Завершает процесс создания платка бахрома. Она тоже может быть разной - от простой, в несколько ниток, до сложной сетки с клетками в несколько рядов. На фабрике эту работу до сих пор выполняют вручную! В прежние времена на такую работу уходило до двух месяцев.

Орлов Василий Сергеевич (1910-2010)
"Перекрёсток".

Летний пейзаж. Перекрёсток со светофором. В дождевых лужах отражаются огни уличных фонарей, реклам. На тротуарах - деревья.
301f8dc7-5025-4a14-a808-233767090dff.jpg
Долгий путь художника в искусстве отмечен разнообразными исканиями. В работах присутствуют и романтический пафос, и философское осмысливание жизни и природы. При этом всегда ощущается жизнелюбие художника и радость творческих открытий.Летний пейзаж. Перекрёсток со светофором. В дождевых лужах отражаются огни уличных фонарей, реклам. На тротуарах - деревья.

«Свидетель времени: Михаил Шолохов. Великая Отечественная война»

В 1965 году, в год 20-летия Великой Победы на церемонии вручения  Нобелевской премии по литературе Михаил Александрович сказал: «Я видел и вижу свою задачу как писателя в том, чтобы всем, что написал и напишу, отдать поклон этому народу-труженику, народу-строителю, народу-герою…». Свою высокую миссию полковник Шолохов выполнил с честью.
В честь 115-летия со дня рождения М.А. Шолохова - великого писателя, лауреата Нобелевской премии, Сталинской премии, Ленинской премии, Действительного члена АН СССР, Дважды Героя Социалистического Труда сотрудники Таганрогского художественного музея, на фоне выставки «Гимн Солдату»,  прочитают воспоминания и размышления  Михаила Александровича  о Великой Отечественной войне.

Дорогие друзья, если вы всё собирались приняться за английский язык или послушать хорошенько петухов, но до сих пор вам это почему-то не удавалось, начните сегодня! Нынешний день для этого самый подходящий — ведь это день рожденья Шолохова! Мы, например, как раз сегодня открываем новую тёплую рубрику под названием «Птица сердца моего»… И о том, как чудесно связаны английский, петухи и Шолохов, расскажем вам в этом маленьком лирически-художественном видео!
 
С любовью, ТХМ

«Свидетель времени: Михаил Шолохов. Великая Отечественная война»

Во время войны, когда в литературе господствовала малая проза, оперативно откликавшаяся на стремительно менявшуюся обстановку в стране, М.А. Шолохов начал работу над романом, в котором намеревался дать широкий охват военных событий. В 1943—1944 годах в «Правде» и «Красной звезде» печатаются первые главы этого романа, получившего название «Они сражались за Родину». Уже после войны, в 1949 году, опубликуется его продолжение.
«Меня интересует участь простых людей в минувшей войне. Солдат наш показал себя в дни Отечественной войны героем. О русском солдате, о его доблести, о его суворовских качествах известно миру. Но эта ситуация пока¬зала нашего солдата в совершенно ином свете. Я и хочу раскрыть в романе новые качества советского воина, которые так возвысили его в эту войну»,— так характеризует писатель задачи, которые он поставил, создавая роман «Они сражались за Родину».
Писатель начал работу над романом после завершения Сталинградской битвы. Герои произведения — рядовые солдаты, мужественно и стойко сражающиеся с врагом.
В честь 115-летия со дня рождения М.А. Шолохова - великого писателя, лауреата Нобелевской премии сотрудники Таганрогского художественного музея, на фоне выставки «Гимн Солдату»,  прочитают воспоминания и размышления Михаила Александровича  о Великой Отечественной войне.

2fa37fa0-d8d7-4632-80df-67440ed423f8.jpg
24 мая - европейский день парков. Тема 2020-го – «Здоровые парки, здоровые люди» – подчеркивает, что положительный контакт с природой важен для здоровья человека.
Предлагаем на минутка заглянуть в парк имени М.Горького в Таганроге, вместе с художником Виктором Севастьяновым. Городский парк — это место, где люди могут проводить свободное время, поближе узнать друг друга в безопасной обстановке, отдыхать от городской суеты и просто наслаждаться природой.

«Свидетель времени: Михаил Шолохов. Великая Отечественная война»

За участие в войне 1941-1945 гг.  Михаил Александрович  награжден орденом Отечественной войны I степени, медалями «За оборону Москвы», «За оборону Сталинграда», «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.», «Двадцать лет победы в Великой Отечественной войне». 

В честь 115-летия со дня рождения М.А. Шолохова - великого писателя, лауреата Нобелевской премии сотрудники Таганрогского художественного музея, на фоне выставки «Гимн Солдату»,  прочитают воспоминания и размышления Михаила Александровича  о  войне 1941-1945 гг.

Всем доброе бодрое утро! 
Как ваши дела? какая у вас погода? У нас солнечно  и все вокруг цветёт! Это не может не радовать ! В общем, у нас настоящая весна )) 

Любите ли вы читать? Мы да! И особенно любим читать бумажные издания, перелистывать странички, наслаждаясь их особенным типографским ароматом... А для таких книг нужны особенные закладки. И мы сделали именно такую. 
Надеемся, что наша закладка вам понравится )) и вам захочется сделать нечто подобное)) тем более скоро лето и можно читать книгу на веранде или на лавочке у дома. Да к тому же это отличный повод сделать эксклюзивный  подарок своими руками!
Спасибо за внимание! Желаем всем вдохновения и отличного настроения!

Безымянный.png

27 мая отмечается Общероссийский день библиотек.  Эта дата приурочена  ко дню основания в 1795 году первой государственной общедоступной библиотеки России — Императорской публичной библиотеки, ныне Российской национальной библиотеки. В честь этого праздника Таганрогский художественный музей начинает рубрику «Книга - пища души». Библиотеки  в нашей стране играют огромную роль, а библиотекари занимали,  и буду занимать важное место в жизни общества. Но главными в библиотеке являются, конечно же, книги. В России всегда по особу относились к книгам.  Огромный вклад в развитие книжного дела и духовной культуры в нашей стране  внесли книгоиздатели.  Одним из таких издателей и просветителей был Иван Дмитриевич Сытин.  «Портрет И. Д. Сытина» кисти А. В. Моравова,  находится в собрании Таганрогского художественного музея. 

И. Д. Сытин  родился в 1851 году  в с. Гнездниково Костромской губернии в семье волостного писаря Д. Г.  Сытина. Учился в школе всего три года; впоследствии А. П. Чехов  писал о нём: «Это интересный человек. Большой, но совершенно безграмотный издатель, вышедший из народа».

В сферу его издательских интересов входили все сегменты книжного рынка — от учебников и книг для детей до энциклопедий и собраний сочинений классиков художественной литературы.

В 1884 году   И. Д. Сытиным было создано издательство «Посредник», начавшее выпуск по доступным для многих ценам произведений  Л. Н. Толстого, Н. С. Лескова, В. М. Гаршина, В. Г. Короленко. 

Одним из крупнейших издательских проектов Сытина явилась  «Военная энциклопедия», выходившая в 1911—1915 годах. По причине начала Первой мировой войны  издание осталось незавершённым, всего было выпущено 18 томов.

19 февраля 1917 года российская общественность широко отметила 50-летие книгоиздательской деятельности И. Д. Сытина выпуском литературно-художественного издания «Полвека для книги», в подготовке к изданию которого приняли участие М. Горький, А.И. Куприн, Н. К. Рерих - всего около 200 авторов.   После установления в стране советской власти,  все предприятия И. Д. Сытина были национализированы, а он сам ра­бо­тал в ка­че­ст­ве тех­нического управ­ляю­ще­го ти­по­гра­фи­ями  и уча­ст­во­вал в дея­тель­но­сти литературного от­де­ла Наркомпроса  по рег­ла­мен­та­ции вы­пус­ка ху­дожественной литературы,  В 1928 году ему была назначена персональная пенсия, а за его семьёй была закреплена квартира  на улице Тверской. Умер   И. Д. Сытин 23 ноября 1934 года в Москве.


Дорогие друзья! 
В преддверии Междунарожного дня защиты детей мы начинаем новую рубрику «Разноцветный мир детства». 
f4e26652-83d6-4785-be15-a4360a356672.jpg
Хруцкий Иван Фомич (1810–1885)
Девочка с фруктами. 1850-е
 Иван Фомич Хруцкий – поляк по национальности, белорус по месту рождения – окончательно сформи- ровался как художник в русле русской академической школы. Его дарование было скромным, однако весьма характерным для мастера салонно-академического направления, работавшего на рынок и ориентировав- шегося на вкусы широких слоев публики. В историю русского искусства Хруцкий вошел в основном своими натюрмортами – эффектными композициями, где предметы выписаны с иллюзионистической точностью. Эти его работы, восходящие к 1830-м годам – периоду формирования и распространения натюрморта в России, имели большой успех и вызвали множество подражаний.
«Девочка с фруктами» (1850-е годы) представляет, по-видимому, изображение дочери художника – А.И. Томковид. Строгая объективность в передаче сходства, тщательная выписанность и филигранность деталей усиливают выразительность образа. Мастер умело подчеркивает особенности портретируемой. Внимателен и любопытен ее взгляд, искусно переданы завитые на концах волосы. Хотя рисунок несколько жестковат и поза довольно статична, пейзажный фон с закатным освещением изящно выделяют фигурку девочки, уподобляя ее хрупкой фарфоровой статуэтке. Убедительно исполненные аксессуары, выверенная цветовая тональность также говорят о некой преднамеренности композиции, но это не мешает увидеть признаки высокого классического искусства.

e1f664c0-7ef7-4b31-abf7-76d93443bac8.jpg
Вашему вниманию представляем полотно кисти Орлова Василия Сергеевича (1910-2010). В. С. Орлов окончил Харьковский художественный техникум. Перебравшись в 1933 году из Донбасса в Таганрог, Василий Сергеевич учит рисованию детей 13-й и 14-й городских школ. Свой вековой юбилей Василий Орлов отметил персональной выставкой в Таганрогском художественном музее, чем мы очень гордимся.
Индустриальный пейзаж " Раннее утро" завораживает своим колоритом, полнотой выраженного в нем поэтического чувства. Берег моря ранним утром словно дарит нам утреннюю свежесть. В центре , в тумане портовые краны, на воде большие суда, а в небе парят чайки.

Борис Плевакин Дом М.А.Шолохова в ст.Вёшенская.jpg
Сегодня, в день рождения Шолохова, мы наведаемся к нему в гости! Празднично-светлый герой нашей рубрики #ЯвДомике - любимый дом писателя в станице Вёшенской. Талантливая рука певца Донского края, художника Бориса Плевакина, изобразила его солнечным и улыбчивым. Двухэтажный красавец будто тянется к тополиной верхушке - сравняться ли, поцеловать?)
Утопающий в пышной зелени, стоящий на крутом берегу Дона дом и впрямь производит такое впечатление. По садовой дорожке от него можно выйти прямо к воде - а побыть у воды, порыбачить Михаил Александрович очень любил. У воды ему лучше думалось, отдыхалось; единение с природой дарило писателю покой и вдохновение.
На втором  этаже дома есть особая "охотничья" комната, в которой Шолоховы готовились к выезду на рыбалку или на охоту. Рядом с ней расположен и любимый малый кабинет писателя, где он трудился над второй книгой "Поднятой целины", " Судьбой человека"...
Сегодня этот  особняк - сердце музея-заповедника в станице Вёшенской. Он был построен в 1949 году взамен старого довоенного дома с мезонином, который 8 июля 1942 года был разрушен во время бомбёжки станицы.
На усадьбе восстановлен сад, сохраняются в неизменном виде гараж, сарай с подвалом и ледником, флигель с русской печью.  С 2003 года в гараже открыта экспозиция, где представлены автомобили, в разное время служившие Шолохову.
Каждая вещь в доме-музее подлинная; там бережно сохранено всё-всё, к чему прикасался писатель…
 
#ЯвДомике#ТХМ#Шолохов#шолоховскаявесна#донскойкрай#достопримечательностиростовскойобласти
#таганрогкультура#культуратаганрога#инстаарт

«ПЕВЕЦ ТИХОГО ДОНА»
WUVA-3Bt1mk.jpg
Сегодня, 24 мая исполняется 115-лет со дня рождения Михаила Александровича Шолохова – русского писателя, Лауреата Нобелевской премии и Государственных премий СССР по литературе, дважды Героя Социалистического Труда.
Родился Шолохов в казачьей станице Вёшенская в Ростовской области, что на берегах реки, которую народ издавна называет «наш батюшка тихий Дон». Родной стороне, истории донского края и его людям он посвятил свое творчество, до конца оставаясь верным этой теме.
«Я родился на Дону, рос там, учился, формировался как человек и писатель и воспитывался как член Коммунистической партии. И, будучи патриотом своей великой, могущественной Родины, с гордостью говорю, что являюсь и патриотом своего родного Донского края... Святая обязанность — любить страну, которая вспоила и вскормила нас, как родная мать».
М. А. ШОЛОХОВ
Особенно четко звучат эти слова Михаила Александровича, когда смотришь на картину ростовского художника Скопцова Семена Сергеевича (1917-1998) «Мой Шолохов» из собрания нашего музея.

Танец – это яркое, красочное творение народа, являющееся художественным отображением его многовековой многообразной жизни. Народный танец очень содержателен. В нем есть драматическая основа и сюжет.

На протяжении многих сотен лет русский народный танец, развиваясь, приобретает устойчивые признаки – форму и стиль исполнения, традиционную тематику, песенное или музыкальное сопровождение, определенную композицию, количество участников и т.д.

Одним из основных жанров русского народного танца является хоровод. Это не только самый распространенный, но и самый древний вид русского танца.

Хоровод – это массовое народное действо, где пляска, или просто ходьба, или игра неразрывно связаны с песней.

В хороводе всегда проявляется чувство единения, участники берутся за руки, за мизинцы или платок, пояс, венок. Связующее звено в хороводе может быть разным и традиции в каждом крае — свои.

На Севере в чести сдержанность. Плывут по кругу девушки чинно и спокойно. И песни заводят все больше протяжные и напевные. В центральных губерниях народ был побойчее. Хороводы заводили весело и беззаботно, с притопами, да прихлопами, с задорными песнями. Чем южнее, тем горячее. И на гуляньях, и в хороводе, который вот-вот грозил обернуться плясовой.

В хороводе проявились национальные черты славянских народов – величавая скромность, и, вместе с тем, открытость, удаль, разгул, задор.

А. А. Соловейчик (1901-1961) - Лебёдушка. Заставка к книге Н. Надеждиной "Русские танцы".

image (2).png

Возродила древнюю традицию хоровода и вывела его на большую сцену Надежда Сергеевна Надеждина - талантливый балетмейстер, создатель и художественный руководитель государственного академического хореографического ансамбля «Березка» (1948–1979), народная артистка СССР (1966), лауреат Государственной премии (1950), Герой Социалистического Труда (1978), кавалер ордена Ленина (1978).

«Я старалась с помощью старых и даже старинных плясок рассказать в поэтических образах о быте, идеалах, вкусах наших предков» – так отзывалась Надежда Надеждина о своем творчестве.

Сама сущность нового стиля Н.С. Надеждиной заключается в синтезе народного танцевального фольклора и школы классического танца. Именно такой сплав дал возможность передать со сцены подлинную поэзию, внутреннюю силу и красоту русского народного танца.

Вдохновением для Надежды Сергеевны служили воспоминания детства. Ей довелось много лет подряд наблюдать сельские народные гуляния и праздники, во время которых она вместе с семьей проводила лето на живописном берегу Камы. Наблюдая картины народных праздников, придумывала свои детские танцы и отплясывала их со сверстницами, своим школьным подружкам постоянно «ставила» русские танцы, и сама очень любила плясать с платочком.

Однажды Надежда Сергеевна увидела на старинной литографии хоровод: девушки держали в руках зеленые веточки березы. Веточки березки придавали хороводу особую возвышенность, поэтичность. «Я будто вдруг поняла, почему так волновали меня деревенские пляски и чего недостаёт тем русским танцам, которые часто приходится видеть на эстраде, чем они отличаются от истинно народных. В них нет поэзии. Народное творчество нужно видеть глазами поэта...»

Русский девичий хоровод «Берёзка» явился родоначальником не только ансамбля, но и нового стиля в русской сценической хореографии. Он неизменно вот уже почти 70 лет открывает программу всех концертов ансамбля и стал «визитной карточкой» коллектива.

А.А. Соловейчик (1901-1961) - Березка. Заставка к книге Н. Надеждиной "Русские танцы".

image (4).png

Соловейчик Арон Абрамович (1901-1961) – график и ксилограф, выполнил серию заставок в технике ксилографии, к книге Н.С. Надеждиной «Русские танцы». В центре заставок изображены группы танцующих девушке выполняющих движения того или иного типа хоровода. Слева и справа девушек окружает или пейзаж связанный с сюжетом танца или орнамент отсылающий зрителя к мотивам народного художественного творчества.

Арон Абрамович учился во ВХУТЕМАСе (ВХУТЕИНе) у В. Фаворского, окончил в 1929г. В 1930-1932 гг. профессор, руководитель графической мастерской ОХИ. С 1925г. участник выставок. Член объединения «4 искусства» с 1926 г.

Книга Надежды Надеждиной «Русские танцы» вышла в 1951 г. в серии «Художественная самодеятельность»

А.А. Соловейчик (1901-1961) - Северный хоровод. Заставка к книге Н. Надеждиной "Русские танцы".

image (5).png


Добрый день, дорогие друзья! Мы продолжаем рубрику "История простых вещей". Сегодня рассказ о шали.
ТХМ_ОФ_305.jpg
Любой портрет аристократки первой трети XIX века обязательно дополняется шалью.
Слово «шаль» заимствовано из персидского языка (перс. schal.).Считается, что производство первых шалей  началось  еще в XV веке в Кашмире, на северо-западе Индии. Там  столетиями разводили коз с нежнейшей шерстью, из которой ткали тончайшие покрывала – "шали", предмет мужской одежды! Да и сама профессия была сугубо мужской. Шаль могли вышить, а могли и соткать, и вторая разновидность ценилась куда выше первой. Шали, привезенные из Индии, стоили баснословно дорого! Ту, которая подешевле, можно было купить за 1,5 тысячи рублей. А вот император Николай I приобрел в 1829 году роскошную шаль за 12 тысяч. И эта дороговизна вполне объяснима: над обычной шалью три ткача трудились несколько месяцев, а сложную, с замысловатым узором, ткали от полутора до четырех лет. 
11535417.jpg
Мода на шали возникла в Европе после египетского похода Наполеона Бонапарта. Наполеон  привез в подарок Жозефине Богарне кашемировые, или, как было принято говорить, кашмирские шали. Жозефина, совершенно влюбившись в эту замечательную вещь, буквально потеряла голову. В то время дама считалась небогатой, если у было меньше 6 шалей. У Жозефины их было 400. Из шалей для нее шили платья, а для ее собачек - подушки. С легкой руки Жозефины шали стали неотъемлемой частью гардероба французских аристократок, быстро распространившись и по всей Европе. И конечно в  России.
Простое светлое платье эпохи ампира оказалось будто созданным для того, чтобы оттенить его строгость яркой шалью.  Они нашли друг друга – платье, напоминающие об античных временах, и накидка, напоминающая о них же. Ампирные туалеты при всей их привлекательной легкости были холодными! Врачи умоляли запретить эту моду, напоминая, сколько хорошеньких ветрениц умерло из-за нее от простуды. Однако женщины, не желавшие расставаться с изящными нарядами, предпочли греться с помощью  теплых шалей.
Шали были всевозможных форм и размеров: длинные, квадратные и даже восьмиугольные. Особенно ценилось искусство драпировки шали. Один конец шали обертывали вокруг руки, а другой спускался до самой земли. Чтобы шаль удерживалась в нужном положении, сохраняла красивую драпировку, в ее углы вшивали маленькие металлические шарики, иногда такие шарики вплетали в кисти. О женщинах того времени чаще говорили, что они «хорошо задрапированы», чем «они хорошо одеты».  Шаль была настолько популярна, что в начале XIX в. появляется танец «па де шаль». Так девушки демонстрировали свое изящество, грациозность и хорошую осанку. Эта традиция сохранилась до конца XIX века. 
При появлении в моде кринолинов  женщины продолжали носить шали.  На платье с его широкой юбкой, порой 5-6 метров в окружности подола, уходило очень много ткани, так что любой вид верхней одежды, кроме всевозможных накидок и шалей, подходил к ним мало. Шерстяные шали, соответственно, тоже увеличивались в размерах, покрывая значительную часть платья, и могли  достигать 4 м в длину.
В России были  свои производители. Княгиня Татьяна Васильевна Юсупова, племянница Потемкина, серьезно увлекалась шелкоткачеством. На ее фабрике изготавливались знаменитые юсуповские шелковые шали. Одну из выдающихся мастерских в своем имении в Нижегородской губернии создала помещица Надежда Мерлина, где с 1806 года производились знаменитые кольцовские платки и шали.
Изделия были великолепны! Двусторонние, они выглядели одинаково и с лицевой стороны, и с изнаночной, несмотря на то, что ткались отдельными фрагментами, которые потом сшивались  незаметным швом.
У европейских шалей рисунок на лицевой и изнаночной стороне отличался, изделия были тяжелыми. Русские выглядели аккуратно,  были наилегчайшими. Шерстяные нити пряли из шерсти тех коз, которые давали очень качественный пух. Обрабатывали его особым образом, вычесывали металлическими гребнями с использованием раскаленного масла - 4,5 км такой нити, скрученной с шелком, весили всего 13 г!  Сложные композиции, множество оттенков. Ткали их особыми челноками, похожими на тоненькие коклюшки, почти иголочки. Это была ювелирная работа. За  год выпускалось  всего  16 шалей. 
В Европе ткачам платили за работу хорошие деньги,  в России же уникальные изделия создавались трудом крепостных девушек. Они трудились в 2 смены. Освещение в то время было скудное, нагрузка на глаза большая. Работницы часто теряли зрение в молодом возрасте. Такова цена этих шалей. Колокольцовские шали брали награды на международных выставках и были знамениты на весь мир. Надежда Мерлина являлась поставщиком императорского двора.
С середины  XIX века, в России начинают массово производить шали с набивным рисунком, которые были гораздо дешевле тканых. И тут шаль стала достоянием всего народа, прочно войдя в быт всех слоев русского общества. Теперь ею обладают не только дворянки и богатые купчихи, но и мещанки, и крестьянки. Большой популярностью пользовались изделия из города Павловский Посад Богородского уезда Московской губернии.

«Свидетель времени: Михаил Шолохов. Великая Отечественная война»
 «Война – это всегда трагедия»
М. Шолохов.
В честь 115-летия со дня рождения М.А. Шолохова - великого писателя, лауреата Нобелевской премии сотрудники Таганрогского художественного музея, на фоне выставки «Гимн Солдату»,  прочитают воспоминания и размышления Михаила Александровича  о Великой Отечественной войне.
Из обращения к вешенцам, идущим на фронт:

чайная чашка.jpg
Что-то нынешняя весна не балует нас температурными показателями... А потому в поисках тепла давайте-ка вернёмся к нашей кипяточно-заварочной рубрике #ПожалуйтеКчаю и поговорим о чайных чашках. Не отрицайте - у вас есть, обязательно есть любимая чашка-кружка для этого славного напитка. Подозреваем, что у некоторых её функции выполняет до неприличия объёмистая нежно любимая посудина, в которой можно уместить чуть ли не всё Азовское море... Не пытайтесь отодвинуть её сейчас подальше - мы всё видим, понимаем, разделяем)
Посмотрите лучше на чашечку из нашего собрания. Она расписана премило, и от нежной жанровой сценка встречи юноши и девушки уже теплее на душе. Чашка эта из советских 30-х годов, на её донышке - клеймо фарфоровой фабрики им. газеты "Правда". У этого славного предприятия богатейшая история...
Основано оно было  в 1832 году купцом Кузнецовым  в пустоши Дулёво (с 1937 г. город Ликино-Дулёво Московской области). Уже в первые 20 лет работы предприятие стало одним из ведущих производителей фарфоровых изделий в России.
Многие из работавших на заводе в то время женщин-живописцев носили красивое русское имя Агафья, и почти все они упоённо творили розаны. По преданиям,  часто Агафьи писали свои розаны по фарфору не кистью, а просто пальцем - споро, ярко, под летящую по цеху песню. Тогда-то впервые и появились в фарфоровой истории рисунки, названные"агашками".  Вот он, розовый исток народного творчества  -  от души и с любовью наносился на предметы каждый мазок!
В 1918 году после Октябрьской революции завод был национализирован и переименован в Дулевский фарфоровый завод имени газеты "Правда". И хотя тот период привнес новое в стилистику  фарфора, большая часть  продукции декорировалась всё же по старым образцам.
В годы войны завод выпускал изоляторы, аптекарскую и госпитальную посуду. Фарфор пережил пору лихолетья и после войны стал самим собой.
… География поставок продукции «Дулевского фарфора» на сегодня охватывает все Федеральные округа России и ее можно купить в магазинах от Калининграда и Крыма до Находки и Петропавловска-Камчатского.
Однако же отыскать такую же чашечку, как та, что хранится в собрании ТХМ, весьма непросто!..


Дорогие друзья! 
В преддверии Междунарожного дня защиты детей мы начинаем новую рубрику «Разноцветный мир детства». 
М.Т. Брюнних. Портрет детей с собакой. 1847
a6d62f40-d628-4781-aada-6554e42f682a.jpg
Мортен Тране Брюнних (1805-1861) - датский художник. Выпускник Копенгагенской Академии художеств. Брюнних работал в России с 1840-1861 гг. 
Портрет детей с собакой своеобразная загадка для посетителей. Ведь очень сложно понять, кого именно изобразил художник - девочек, мальчиков или девочку и мальчика. Почему возникает такой вопрос?
Традиция наряжать мальчиков в женские наряды пошла примерно с XVI века. Причём в платьицах щеголяли только отпрыски богатых и аристократических семей.
В первые годы жизни мальчик был под присмотром своей мамы и гувернанток. От них он получал необходимые навыки этикета и общения. То есть те умения, научить которым могли только женщины. Право на ношение мужской одежды — рубашки и бриджей или штанов мальчик получал лишь тогда, когда за его воспитание брался отец либо мужчина-воспитатель.

Без названия (2).jpg

Добрый день, дорогие друзья! Мы продолжаем знакомить вас с историей вещей и сегодня вы узнаете удивительную историю ленты.

Еще в древние времена люди использовали ленты, которые представляли собой узкие полоски ткани. Сфера их применения была достаточно широка. Ленты использовались в хозяйственных целях, в быту, а также в качестве украшений. Жительницы Древней Греции и Древнего Рима зачастую вплетали в свои прически полоски ткани, украшенные драгоценностями. Ленты также использовали для отделки одежды, по их цвету можно было определить статус человека в обществе. В Италии в средние века ленточки начали применять для декора интерьера. Ими украшали мебель, занавеси, балдахины.

Без названия (1).jpg

Когда же люди додумались, что ленты могут служить украшением? Банты из лент, украшающие одежду, упоминаются в текстах Джеффри Чосера (1343-1400) и даже суровые викинги были к ним неравнодушны.

Однако более популярными украшения из лент становятся в шестнадцатом веке. Одежду скрепляют завязками и заодно украшают наряд. А «простой», привычный нам бант из ткани появляется благодаря королеве Елизавете Английской, которая обожала роскошные наряды. В честь разгрома испанского флота, Непобедимой Армады, в 1588 году, в ее гардеробе появился  чёрно-белый костюм победительницы, буквально усыпанный бантами – на рукавах, корсаже, юбке.

В первые десятилетия семнадцатого века, пышные, широкие рукава женских платьев в нескольких местах перехватывают шёлковыми лентами –чтобы получились буфы, и завязывают пышными бантами. Такой же шёлковой лентой с бантом охватывают талию, и получается изящный пояс.

Когда в моду входят огромные отложные воротники, следящая за модой дама зачастую прикрепляла на груди небольшой яркий, или же, наоборот, тёмный бант.

Но вот настаёт «Галантная эпоха».  По сути, банты дали название эпохе – ведь их называли «galants, gallants». Теперь бант не просто украшает одежду – отныне и на несколько десятков лет он король отделки и аксессуаров. Банты везде. на одежде, обуви, причёске, мужчин и женщин… И их много. Порой немыслимо много. Банты украшают всех.

Их  часто носят и мужчины.

Со второй половины XVII века в моду входит галстук. Его формам и узлам предстоит поменяться ещё множество  раз, пока к нему прилагается узкая лента, завязанная маленьким бантом. К концу века бант станет огромным. Чёрный костюм, украшенный оборками, кружевами и огромный красный бант, завязанный у ворота – так или приблизительно так мог выглядел мужчина времён Людовика XIV. Но мужчины носили банты не только в виде галстуков. Банты украшали перчатки, туфли, трости, рукава – порой количество бантиков и розеток исчислялось несколькими сотнями, а уходило на них несколько сотен же метров дорогих лент.

К концу семнадцатого века бант сдаёт свои позиции в мужском костюме. Но дамы – будут обожать банты по-прежнему.

В восемнадцатом веке костюмы эпохи рококо изящны и необыкновенно женственны – в моде снова контраст между тонкой талией и очень пышными юбками. И его отлично подчёркивает «дорожка» из бантов, спускающихся от декольте к мысу корсажа, причём каждый следующий бант меньше предыдущего. Рукава платьев узкие, облегающие руку до локтя, а затем расширяющиеся пышным колоколом, и снова подчёркивают изящные бантики. Шёлковые и кружевные ленты повязывают вокруг шеи. По одному или десятками, совпадающие по цвету с платьем или, контрастирующие с ним, банты украшают придворные туалеты и пеньюары, наряды для прогулок и причёски.

От бантов дамы не откажутся и позже, когда на смену прихотливым платьям «рококо» придёт относительно простой стиль «ампир». И даже в нарядах, напоминающих об античности – простые линии, завышенная талия, ниспадающие складки – найдётся место для бантов. Они украшают бальные платья, ими завязываются под грудью шёлковые пояса или подбородком широкие ленты шляпок, банты украшают и сами шляпки.

В конце 1820-ых годов, на смену простым линиям приходят пышные юбки рукава, а «античные» причёски сменяют сложные сооружения из локонов, гребней, шпилек, и, конечно же, бантов, последние снова завоёвывают утерянные позиции. Даже у консервативных, чопорных замужних дам находится место для яркого банта – на скромном с виду белом чепце. Дамы украшали бантом или розеткой из лент носки туфельки.

В середине девятнадцатого века дамам становится мало бантов, усеивающих их юбки, рукава и шляпки, и они посягают на деталь ранее сугубо мужского туалета – галстуки. Так что теперь порой из-под кружевного воротничка платья или блузки выглядывает лента, завязанная бантом. А ленты шляпок теперь зачастую двойные – узкие и широкие «парадные». Первые завязывают под подбородком скромным бантиком, они призваны всего лишь удержать шляпку на месте, зато вторые завязывают поверх первых пышным бантом, чтобы продемонстрировать красоту дорогой шёлковой или бархатной ткани.

К концу века крой дамских нарядов всё больше усложняется, и банты усеивают их еще больше.

В эпоху турнюров, дамы стремились подчеркнуть красоту не только шеи, бюста, рук, но и плавный изгиб поясницы. Пышные складки сзади и по бокам юбок подчеркиваются оборками и бантами. Банты способны придать даже самым закрытым платьям женственный вид.

Огромные банты на шляпах с не менее огромными полями, небольшие банты, способные украсить даже скромные дневные костюмы… Даже две мировые войны оказались не в силах вытеснить их из моды следующего, двадцатого века. Банты переливаются платьях голливудских див тридцатых годов, и превращаются в завязанные вокруг талии шарфы пятидесятых.


«Свидетель времени: Михаил Шолохов. Великая Отечественная война»

В июле 1941 года М.А. Шолохов, полковой комиссар запаса, был призван в армию и направлен на фронт. Работал в Совинформбюро, был специальным корреспондентом «Правды» и «Красной звезды», участвовал в боях под Смоленском на Западном фронте, под Ростовом на Южном фронте, прошел фронтовыми дорогами до границы с Германией, был под Кёнигсбергом. В январе 1942-го получил серьезную контузию при неудачной посадке самолета на аэродроме в Куйбышеве, которая давала о себе знать на протяжении всей жизни.

В честь 115-летия со дня рождения М.А. Шолохова - великого писателя, лауреата Нобелевской премии  сотрудники Таганрогского художественного музея, на фоне выставки «Гимн Солдату»,  прочтут воспоминания и размышления Михаила Александровича о Великой Отечественной войне.

Творческая Мастерская #тхм online продолжает делиться с вами интересными идеями!
Данный мастер- класс поможет вам сделать своими руками чудесный подарок себе или знакомому любителю # кактусов

Р.А. Мешков, И.И.Масличенко Отчий дом М.А. Шолохова.jpg
Сегодня наша рубрика #ЯвДомике привела нас к  донскому казачьему куреню - заснеженному, доброму, славному. Этот курень по-шолоховски весело подмигивает нам умным голубым глазом - ведь он и есть "Отчий дом Шолохова".
Таково официальное название декоративной тарелки из семикаракорского фаянса работы художников-мастеров Р.А. Мешкова и И.И Масличенко. Нежнейшие тона, выбранные ими, передают негромкую прелесть нашего края с его тихими румяными зорями,задумчивыми берёзами и статными красавцами-тополями.
Дом Шолоховых, в котором 24 мая 1905 года родился будущий писатель, был построен в 70-е годы XIX в.  До того, как в 1898 году его купил Александр Михайлович Шолохов, отец писателя, курень принадлежал дьякону местной церкви.
У него камышовая крыша; в нём три комнаты наверху (прихожая, горница и спальня) и "низы" - эдакий полуподвал, где царствует русская печь. В низах зимой тепло, летом - приятно-прохладно.
С 1984 года дом входит в состав чудесного музея-заповедника на родине писателя, и любопытствующие туристы с удовольствием посещают его, изучая  обстановку детских лет Михаила Александровича.
При усадьбе - большой фруктовый сад, флигель-банька, амбар для ссыпки зерна, сарай-конюшня (внутри - дегтярня, ледник, мякинник и непосредственно конюшня), и торговая лавка.
Отец будущего писателя был видным хуторским казаком.  Хуторяне  очень уважали Александра Михайловича за образованность и простоту, обращались к нему за советом и помощью. «Михалыч» помогал землякам советами, писал письма, ходатайства.
В первой комнате флигеля-баньки, он принимал «ходоков и занимался "сурьёзными"  делами. Будучи приказчиком «на откупе» у хлебопромышленника и фабриканта Парамонова, Шолохов скупал хлеб у казаков и отправлял его в Базки на парамоновскую ссыпку, был посредником у помещика Попова в вопросах купли-продажи скота, вёл собственное торговое дело. В лавке «Михалыча» были и хозяйственные товары, и бакалея, и мануфактура, и предметы туалета, и одежда.
Отец привил Михаилу Александровичу охоту к чтению, воспитал любознательным и хватким к любому делу человеком.
В 1910 году, в связи с отъездом  Шолоховых в х. Каргин, усадьба была продана купчихе Шутовой, а в 1928 году дом перешёл в собственность сельского Совета.

Безымянный.png

Здравствуйте, сегодня мы продолжим рубрику   о женской школьной форме в России. После революции 1917 года, в  рамках борьбы с наследием царского режима, был издан декрет, отменявший ношение школьной формы, которая была объявлена буржуазным пережитком. Но на самом деле основной причиной отсутствия школьной формы была бедность государства, которое не могло в условиях страны, разоренной революцией и гражданской войной обеспечить учащихся школьной формой. Так что у отказа от формы была не только классовая, но и более понятная причина – бедность. Ученики ходили в школу в том, что могли предоставить им родители. Обычно это были брюки и рубашки-косоворотки у мальчиков и платья или юбки у девочек. Все это было сшито из дешевой ткани. Однако официально отсутствие школьной формы у учащихся объясняли идеологическими причинами. С точки зрения классовой борьбы старая форма считалась символом принадлежности к высшему сословию.

Период отсутствия школьной формы длился 30 лет. В 1949 году, после Великой Отечественной войны, школьная форма вновь становится обязательной. В собрании нашего музея  находится картина С. А. Сухорукова «Портрет ученицы», написанная  в 1959 году. На картине мы видим девушку в классической школьной форме того времени. Школьная форма для девочек походила на школьную форму царской России. Девочки носили коричневые шерстяные платья с черным фартуком, завязывающимся сзади на бант, Именно тогда появились белые "праздничные" фартуки и пришивные воротнички и манжеты - со временем несколько менялся лишь фасон, но не общая суть формы девочек. Самые незначительные эксперименты с длиной или иными параметрами школьной формы сурово карались администрацией учебного заведения. Стрижки для девочек в то время были под запретом, и они обязательно носили косы с бантами. В обычные дни полагалось носить чёрные или коричневые банты, с белым передником - белые  Банты других цветов по правилам не допускались.  Ленты в те годы были из натуральных тканей, они очень быстро мялись и теряли вид, поэтому их надо было все время гладить и хранить, скатав в рулончик. Сейчас это выглядит необычно, но в 50-е годы было принято носить школьную форму и вне школы. Ее надевали в театр, на концерт, на прогулку, в гости и на праздник. Все учащиеся в то время были членами детских и молодежных коммунистических организаций: октябрятами, пионерами, комсомольцами, поэтому они должны были носить значки и пионерские галстуки, которые были обязательным дополнением к школьной форме. 


Добрый день, дорогие друзья! Позвольте представиться – Молли, учёная кошка музейного научного сотрудника. Я буду вести для вас рубрику «Мой ласковый и нежный зверь» и начну её с самой прекрасной на свете темы – кошачьей!

Многие выдающиеся люди нежно любили кошек; в их числе и кардинал Ришелье, и Франсуаза Саган, и Иосиф Бродский. Последний вообще в знак особого расположения к гостю предлагал: «Хотите, я разбужу для вас кота?..»

Художники воспели нашу дивную красоту, грациозность  и гибкость. Посмотрите, как чудесна кошка на иллюстрации Дмитрия Бисти к «Лирическим эпиграммам» Маршака! Видите этот великолепный хвост? А усы? А ушки?

Никто не может так уютно устроиться на руках человека, как мы. Чуткий карандаш советского художника Арона Ржезникова великолепно передал сладкую негу в каждой лапе моей графической сестры. Рисунок «Женщина с кошкой» в собрании ТХМ я люблю чрезвычайно!

Молли.jpg

Мир кукольного театра сложно представить без наших пушистых персон. Фарфоровая фигурка прославленного Сергея Образцова с кошками работы скульптора Ильи Слонима – прекрррррасное тому подтверждение…

Продолжение следует! Замурчательного вам дня!


Добро пожаловать в Дом Турбиных, дорогие друзья! В Киеве на Адреевском спуске загадочно улыбается красавец-дом под номером «13» - в нём прожила 13 лет, с 1906 по 1919 год, семья Булгаковых…

Это герой нашей рубрики #ЯвДомике зовётся по фамилии героев романа «Белая гвардия» Михаила Булгакова - с лёгкой руки Виктора Некрасова, назвавшего его так в очерке, вышедшем в журнале «Новый мир» в 1967 году.

Дом добрый, купеческий, выстроенный в конце ХIХ века… Он помнит голоса многоликой орды живших в нём квартирантов, хранит кружево их историй… Его «портрет»-литография выполнен Натальей Каревой (1947-2010) – талантливой таганроженкой, перебравшейся в Москву и снискавшей там славу чудного живописца и графика. В 2014 году музейные фонды пополнились 24 работами художницы, переданными  в дар её семьёй; а в 2017 году состоялась её персональная выставка «Уходя, оставить след»…

Творческое наследие художницы многообразно и атмосферно. Дом её работы окутан киевской негой и окружён пятнами света – дрожащими, тающими, музыкальными. Литография Каревой появилась в 1979 году; 10 лет спустя, в 1989 году, дом обрёл статус литературно-мемориального музея Михаила Афанасьевича Булгакова. Основная экспозиция представлена на 2 этаже – там можно увидеть личные вещи писателя.

1989-м годом датированы мистические офорты Евгения Мациевского, созданные по мотивам романа «Мастер и Маргарита»; тремя годами раньше художник Анатолий Давыдов выполнил портрет писателя – молодого, большеглазого, сосредоточенно-печального…

А вы любите творчество Булгакова?..


1235893.jpg
22 мая православная церковь отмечает один из наиболее почитаемых христианских праздников – День Николая Чудотворца или Никола Вешний.
Полное название праздника звучит как Перенесение мощей святителя и чудотворца Николая из Мир Ликийских в Бари. В народе этот праздник называют Летний Николай, Теплый Николай, Весенний Никола. 
11418532.jpg
Святой Николай Мирликийский по преданию, жил в конце III – начале IV веков н.э. на юго-западе Малой Азии в городе Миры, римской провинции Ликии. Он был единственным сыном достаточных, но небогатых родителей. Начиная с детских лет, вся его жизнь была отмечена добродетелями. Приняв сан архиепископа его родного города Миры, Николай в силу своего кроткого нрава и человеколюбия стал помощником, заступником и благодетелем всем горожанам. Во время гонений на христиан был заточен в тюрьму. Освободил его император Константин. При жизни Николай Мирликийский прославился защитой бедных, несправедливо осужденных, а после смерти – чудотворениями, за что и был канонизирован.
Есть источники, которые говорят что первая церковь во имя Николая Чудотворца (Угодника) и первые иконы святителя появились в Киеве почти за сто лет до того, как св.Владимир в 988 году крестил Русь . В XI веке в Киеве был основан женский Николаевский монастырь. По преданию, в XII веке произошло чудесное спасение великого князя Киевского Мстислава Владимировича. Охотясь в диком лесу, он сбился с дороги. Выбраться из лесной глуши ему помогло явление иконы св. Николая, которая стояла около потерянной им дороги. В честь этого чуда великий князь перенес Николаевскую обитель на новое место в 1113 году. Главной иконой храма стала явленная икона Николая Чудотворца. 
В одном из преданий о Куликовской битве говорится о том, что, когда великий князь Дмитрий Донской выступил против татарского хана Мамая, на месте расположения русского войска явился образ Николая Чудотворца в воздухе над сосной. Явление этой иконы способствовало поднятию духа войска и послужило счастливым знамением исхода битвы. Возвращаясь после победы над Мамаем, Дмитрий Донской повелел воздвигнуть храм в честь святителя Николая на месте явления чудотворной иконы. Монастырь. который был поставлен на этом месте, назвали Николо-Угрешским. т.к. Донской увидев явленную икону, воскликнул, что "сия вся угреша сердца его".
Образ святителя распространился по Руси. Его изображения находились во всех русских православных домах, в храмах, в часовнях на дорогах. Русские люди почитали Николая Чудотворца с особым усердием. Ибо этот святой считался надежным заступником и верным покровителем всех страждущих. К нему обращались в самых различных случаях: с просьбой об охранении на водах, о спасении от бурь и кораблекрушений, об избавлении от болезни и о помощи в житейских делах. 
На моленных иконах Николай чаще всего изображается по пояс. Именно такой образ представлен на иконе из собрания музея.
Святой изображен по пояс, с благословляющей правой рукой и Евангелием в левой руке. 
Одежды святого Николы — одежды православного архиерея — имеют глубокий символический смысл, указывающий на высокое назначение священнослужителя. На шее святого Николая золотая епитрахиль, означающач благодать Святого Духа, сходящая на священника для свершения святых таинств.  Фелонь,
покрывающая тело - символ хитона, в котором претерпел страсти Иисус Христос. Лежащий на плечах святого Николая омофор — широкая полоса ткани с крестами, означающая положенное на плечи заблудшее «овче» — человечество, которое вслед за Иисусом
Христом, как и он, кладут себе на плечи служители Церкви. Покровенной рукой на омофоре держит святой Николай Евангелие — источник его веры, источник преобразившей его силы.
 Слева и справа от Святителя изображены фигуры Христа и Богоматери. Они напоминают о чуде, которое произошло на Никейском соборе 325 г. Согласно преданию, святой Николай во время споров дал пощечину Арию, отрицающему единство Троицы, равносущность Бога Сына,
за что был лишен священства. Но многим было видение, как Сам Спаситель и Божия Матерь принесли св. Николаю Евангелие и омофор — знаки святительского достоинства. После этого ему вернули сан архипастыря.
До революции, икона Николая Чудотворца была непременным атрибутом любого дома. Часто у одного хозяина имелась даже не одна, а несколько икон Николая Угодника и при возможности он покупал еще одну. Иконы с образом Николая Чудотворца были разными по исполнению и размеру. На фото перед вами икона классического размера, но были и иконы выполнявшиеся на миниатюрных досках и называвшиеся пядничными, ростом с пядь, старинную меру длины, равную, приблизительно, ширине ладони взрослого человека. Такие иконки носили с собой, беря образ чтимого святого в дальний путь, или выходя на сенокос. Дети молились Николаю Чудотворцу и поверяли ему свои  детские мечты, а святой по мере сил исполнял их, ведь именно образ Николая Чудотворца, при жизни раздававшего детям подарки, стал прообразом Деда Мороза. 
Особое отношение к иконе Николая Чудотворца испокон веков было у моряков, ведь именно Николай считается спасителем людей на воде. Древние мореплаватели-поморы, отправляясь в опасный путь за «рыбьим зубом» обязательно совершали молебен перед святой иконой Николая Чудотворца. На корабле, прямо на мачте, закрепляли образ и негасимую лампадку, а во время жестоких северных штормов бережно убирали икону в каюту. Если же приходилось зимовать на пустынных островах, терпеть кораблекрушение, первым делом спасали с судна икону и изготавливали на зимовке лампадку-коптилку на моржовом жиру.
В Таганроге в 1777 году  Федот Клокачёв ходатайствовал перед архиепископом позволить постройку храма во имя святителя Николая в «морских кварталах» Таганрога.
В 1778 году церковь была освящена. Первым настоятелем был назначен священник Воронежской епархии Исидор Ляхницкий. По легенде, место для храма было выбрано в том самом месте, где стояла палатка Петра Первого, когда он в первый раз прибыл на Таганий Рог и делал в море промеры. Храм был построен моряками, а прихожанами его были преимущественно рыбаки.

RxXFPE05_ls.jpg
Пожалуйста, когда цветут сады
Вдохните глубже аромат весенний.
Пожалуйста, взгляните на цветы,
Что с радостью поднимут настроенье.
Вашему внимаю представляем цветочный натюрморт кисти Михаила Алексеевича Новикова. На полотне крупным планом изображен большой букет полевых цветов . Цветы пижмы, тысячелистника и многих других, которые можно встретить, прогуливаясь по лугам нашего донского края.


Безымянный.png

Здравствуйте, сегодня мы начнем мини-рубрику об истории женской школьной формы в России. Вначале  обратимся к традициям дореволюционных учебных заведений, гимназиям. Гимназии в дореволюционной России в значительной мере определяли уровень культуры и нравственности в обществе. Из их стен выходили не просто хорошо образованные люди, но и люди, для которых такие понятия, как честь, порядочность, долг, патриотизм не были пустым звуком. С детства многим из них была привита утонченная культура, которая накладывала отпечаток и на внешний облик: изящные манеры, умение держать себя в любом обществе, одеваться со вкусом и к лицу. Частью этой культуры, несомненно, была и школьная форма.

Женское образование в  России стало развиваться во второй половине 19 века. В это же время, в 1886 году, утвердили школьную форму для девочек.У всех женских гимназий была одинаковая форма, только цвет платья был свой у каждого учебного заведения, а иногда различался в зависимости от возраста. У младших учениц он был темно-синий, у средних классов цвета морской волны, у выпускниц-коричневый.Для ежедневного посещения гимназии уставом была предусмотрена обязательная форма, которая состояла из камлотового (шерстяного) платья и шерстяного фартука черного цвета. Праздничная форма состояла из того же платья, белого фартука, нарядного кружевного воротничка и косы с бантами. В парадной форме гимназистки посещали театр, церковь, в ней ходили на рождественские и новогодние вечера. Устав требовал содержать платье в чистоте, опрятно, не носить его дома, ежедневно разглаживать и следить за чистотой белого воротничка.Также никому не запрещалось иметь отдельное платье любой модели и покроя, если средства родителей позволяли такую роскошь.Обувь у гимназисток  была прюнелевая, что-то среднее между замшей и атласом. Сапожник обрисовывал ногу и каждой девочке  шил обувь по заказу. Ботиночек на тоненькой кожаной подошвебыл черного цвета и надевался как перчатка.  Такая форма в неизменном виде просуществовала до 1917 года.

Творчество С. И. Блонской  - одна из важнейших вех в истории художественной жизни Таганрога. В собрании нашего  музея находится   работа С. И. Блонской  «Девочки-гимназистки. Этюд к картине "Вербное воскресение". Этот этюд явился часть большой подготовительной работы художницы при создании картины «Девочки. Вербное воскресение». Материал для будущей картины Блонская собирала в Таганроге, делая многочисленные этюды, наброски, зарисовки со своих сестер и их подруг-гимназисток.


MyCollages.jpg

Сегодня рубрика  #ЯвДомике  вдруг заманила нас в Грузию. «Гори. Домик, в котором родился товарищ Сталин И.В.» - так называется автолитография советской художницы Анны Самойловских, датированная далёким и близким 1948-м годом.

Интересно, что биографии генсека и художницы начинаются очень похоже. Иосиф Сталин родился в семье грузинского сапожника, Анна Самойловских – в семье сапожника кунгурского (г. Кунгур – город в нынешнем Пермском крае, прежде – Пермской губернии).

«Домик» был создан в пору творческого расцвета Анны Ивановны – художницы, владевшей множеством техник и мастерски сочетавшей в своём творчестве графитный карандаш, тушь и акварель. В довоенные годы она совершила ряд творческих поездок по Закавказью, во время которых был собран впрок богатый материал, используемый ею и много позже.

В 1949 году художница создаёт цветную литографию под названием «Комната, в которой родился И.В. Сталин», позволяя любопытствующему оку заглянуть и внутрь скромного домика. Последний уже в 1937 году превратился в дом-музей, а в 1951 году «прирос» стенами двухэтажного корпуса в стиле знаменитого сталинского ампира…

Туристы, посетившие музей в Гори, обязательно фотографируют домик и – Зелёный вагон! В музее представлен личный железнодорожный салон-вагон Сталина. Генсек использовал его с 1941 года, в том числе для поездок на Тегеранскую и Ялтинскую конференции.

В собрании ТХМ есть работа с погрудным изображением Сталина. Это цветная линогравюра советского художника Фёдора Смирнова, исполненная в 1949 году.

#инстаарт#культура#культуратаганрога#отдыхаем
#путешествия#путешествиясоздаютлюдей#путешествияялюблю

Здравствуйте, дорогие друзья! Мы продолжаем знакомить вас с работами, представленными на новой выставке «Гимн Солдату».

Перед вами работа И.Э. Грабаря «Яблоки и астры». Игорь Эммануилович — известный советский художник, живописец. Кроме написания картин, известен как искусствовед, музейный деятель, профессор и педагог. Являлся академиком Академии Художеств СССР и Академии Наук СССР. В 1956 году ему было присуждено звание Народного художника СССР. В 1941 году Игорь Грабарь получил Сталинскую премию первой степени . Всю свою жизнь он посвятил духовному прогрессу в творчестве. В нём горел неисчерпаемый факел вдохновения. Игорь Грабарь был ярким, многогранным, творческим человеком, отдавший себя высокому служению искусства.
Эта солнечная работа буквально заряжает зрителя особым жизненным настроением, отражая основное творческое кредо этого художника: « Я люблю только радостное, радужное, светлое», а составляющая этого настроения - трогательно - лирический мотив натюрморта, его мастерски построенная композиция, его колорит, составленный из пронизанных солнечным светом интенсивно звучащих красок.
untitled.png
Грабарь И. Э.Яблоки и астры (1926)

Непринцев Юрий Михайлович (1909-1996)
Май 1942 года.
e3cf5d79-9e49-497b-bce6-bae646a13161.jpg
Юрий Непринцев родился 2 (15) августа 1909 года в Тифлисе (ныне Тбилиси, Грузия) в семье архитектора . В детстве увлекался рисованием, что впоследствии и привело его в студию художника Бориса Фогеля при тбилисском Доме Красной Армии. Решив посвятить себя живописи, Непринцев в 1926 году приехал в Ленинград. В 1926—1930 годах он занимался в студии академика В. Е. Савинского.
В 1934 году Юрий Непринцев поступил на отделение живописи ЛИЖСА имени И. Е. Репина, где занимался у П. С. Наумова, А. М. Любимова, В. А. Серова, И. И. Бродского. 
В 1938 году Непринцев окончил институт по мастерской И. Бродского. Его дипломная работа — картина «А. Пушкин в селе Михайловском», ставшая первым серьёзным произведением художника, к сожалению, не сохранилась: приобретённая музеем А. С. Пушкина в селе Михайловском, она погибла при разгроме музея фашистами в годы Великой Отечественной войны.
После защиты диплома Непринцев был принят в аспирантуру Академии художеств, где занимался под руководством Р. Р. Френца и Б. В. Иогансона. К этому периоду относится одна из первых его тематических картин «Заключение договора на соцсоревнование» (1939), которую художник писал непосредственно с натуры в цехах Кировского завода, без предварительных этюдов, стремясь передать живое, непосредственное впечатление от события, как бы случайно увиденного в жизни. 
В 1940 году Непринцева приняли в члены ЛОСХ.
* народный художник СССР (1965)
* народный художник РСФСР (1963)
* заслуженный деятель искусств РСФСР (1956)
* Сталинская премия первой степени (1952) — за картину «Отдых после боя» (1951)
* Серебряная медаль АХ СССР (1963)
* орден Ленина (01.10.1979)
* орден Отечественной войны II степени (11.03.1985)
* орден Трудового Красного Знамени (05.09.1969)
* орден Красной Звезды (18.07.1944)

Дорогие друзья! 
В преддверии Междунарожного дня защиты детей мы начинаем новую рубрику «Разноцветный мир детства». 
А начнём с трепетной работы Крендовского Евграфа Федоровича (1810–1870-е гг.)
b865b7b7-1e22-4b70-bc5e-46eb5548eed6.jpg
Дети. Дочери художника. 1845
Картон, масло. 21,5х18
Картина поступила в 1976 году из Таганрогского краеведческого музея, ранее, до 1920 года, находилась в семье правнучки художника – А.Н. Гудзенко (Таганрог)
Е.Ф. Крендовский был одним из любимых и наиболее последовательных учеников Венецианова, верным продолжателем художественного метода учителя. Этот искренний, поэтичный и тонкий живописец сумел ярко проявить свою творческую индивидуальность, внести свой вклад в развитие традиции поэтического реализма в русской живописи первой половины XIX века.
Бытовая тематика принесла этому мастеру известность и признание, упрочила его место среди извест- ных бытописателей того времени. Однако значительную часть художественного наследия Крендовского составили портреты. Известно, что в 1839 году он получил звание «свободного художника» именно за этот жанр, прислав в Академию художеств два «миниатюрных портрета». Увлеченный «малыми формами», он с особым интересом писал небольшие вещи, в основном акварелью и гуашью, которые отличались жанровостью трактовки образов, поэтизацией обыденного.
Влияние миниатюрной манеры письма отразилось и в небольших работах, написанных маслом, среди которых выделяется двойной портрет – «Сестры. Дети художника». Эта портретная миниатюра отличается в основных своих чертах «венециановским» подходом к натуре, но нельзя упускать из виду и характерный индивидуальный метод Крендовского. Используя миниатюрный характер портретного изображения, художнику удается привлечь внимание ко всем деталям этого своеобразного, с чертами бытового жанра портрета, создать камерную, особенно интимную по настроению композицию.
Фигурки детей необыкновенно трогательны, художник изобразил их не позирующими, в домашних полотняных одеждах, увлеченными своим занятием. Оживленные лица девочек передают не только характерные черты, но и внутренний мир юных моделей: назидательный жест старшей сестры, старание и робость младшей. Крендовский с любовью изображает не только детей, но и их питомцев – кроликов. Все окружение со множеством милых сердцу художника конкретных деталей и предметов написано тщатель- но, искренне, с безупречным художественным мастерством. Это и освещенная ровным дневным светом «теплая» стена родного дома, и открытое во двор окно, и старая кукла на завалинке, корзина с листьями, деревенский плетень, за которым виднеются тонкие очертания молодых деревьев с пронизанной светом листвой и оживленных маленькой деталью – птичкой на ветке.
Жизненную убедительность повествования художника усиливает естественное освещение и тонко сгармонированный колорит. Неяркие серовато-голубые, красновато-розовые, зеленовато-пепельные тона образуют, благодаря своей матовой фактуре, тонкую спокойную гамму, согласуются с милой наивностью детских образов.
Небезынтересным представляется и тот факт, что эта работа поступила в коллекцию Таганрогского художественного музея из фамильного собрания таганрогских потомков художника, благодаря которым удалось установить, что на портрете изображены дочери художника. Это свидетельство привело к неко- торым подробностям, касающимся одной из дочерей Крендовского – Дарьи Евграфовны. После окончания акушерских курсов в Харькове она работала акушеркой в Ростове, затем в Таганроге. Вышла замуж за таганрогского врача Н.П. Гудзенко (1831–1892), знакомого Чеховых. Гордостью родителей стал их сын – А.Н. Гудзенко (1868–1918) – выдающийся русский этнограф, имя которого в Таганроге помнят и чтут.

Безымянный.png

Здравствуйте, сегодня мы завершаем разговор в рамках рубрики  «Медное литье России» и хотим рассказать об  иконе  «Богоматерь Тихвинская»,  которая является одной из крупных икон  в коллекции нашего музея. Образ Тихвинской Богоматери является близким к Смоленскому. Отличие состоит в том, что лики Божьей Матери и Христа обращены друг к другу, а правая нога младенца подвернута под левую так, что видна нижняя часть стопы.


Добрый день, дорогие друзья! Мы продолжаем рубрику "История простых вещей"  - "Изобретение кардинала Ришелье".
Самый старый столовый прибор – это нож. Есть мнение, что именно костяной или каменный нож, а не палка, стал первым инструментом человека умелого. Много тысячелетий нож использовался как оружие, для охоты и всех видов работ, но уже около 5000 лет назад появились специальные ножи для еды. Вплоть до средневековья люди носили с собой личные универсальные ножи, которыми пользовались не только за столом, но и в работе.
Первый столовый нож появился во времена Д'Артаньяна. Конечно, выдающийся гасконец не имел к нему отношения.  Зато имел его злейший враг кардинал Арман дю Плесси, он же Ришелье. Именно по его указу на королевских трапезах Людовика XIII  стали подавать ножи с затупленными кончиками.
Сначала это стало предметом шуток французской знати, а чуть погодя, при следующем монархе, привело к официальному рождению нового столового прибора. До осторожного Ришелье дворяне Европы ели с помощью двух ножей. Один нож использовался, собственно, как нож, а второй — в качестве вилки, которую к тому времени в Европу ещё не завезли.
Вельможа ухаживая за своей дамой, подавал ей пищу на кончике ножа прямо в рот. Сейчас это вызвало бы оторопь, а тогда было удобно — у дамы оставались свободными обе руки. Ведь то, что не надо было резать, ели руками.

Потом к власти пришёл Король Солнце — Людовик XIV. Людовик XIV не только узаконил форму столового ножа со скруглённым кончиком, но и запретил использовать в качестве столовых приборов ножи с острыми концами. 

В других европейских странах на столовые ножи перешли гораздо позже. К тому времени в Европу уже завезли вилку, и она составила пару столовому ножу. 

11317744.jpg

Давыдов Илья Ильягумович (1932) Дыня с виноградом.


Сегодня наша #МузыкальнаяШкатулка приглашает вас … потанцевать! Посмотрите, как непринуждённо закружил в танце галантный русский американец Вячеслав Иляхинский евпропейскую ленинградку Веру Матюх. И пусть техники исполнения и колористическое настроение их работ различны, это не мешает им соседствовать музыкально – а вам выбрать танец по вкусу...

Так получилось, что уроженец Таганрога Вячеслав Иляхинский (1925-2002)  большую часть своей жизни провёл в Америке. Там он обрёл славу сначала как реставратора, однажды даже оживив полотно самого Рембрандта, а после и как яркий самобытный художник-авангардист, последователь школы Кандинского. Предлагаемый вашему вниманию акварельный «Танец» Иляхинского - одна из тех 35 работ, что художник на склоне лет завещал передать в дар ТХМ; в ней живёт музыка абстракций, владевшая воображением мастера весь поздний период его творчества.

Вера Матюх (1910-2003) была благодарной ученицей художников второй волны авангарда. Судьба этой художницы совершала не менее причудливые географические па…

Вера Фёдоровна родилась в Берлине в 1910 году, где ее отец, петербургский студент-революционер, скрывался от царской полиции. (1) Её детство прошло в Германии, под крылом  у бабушки с дедушкой по материнской линии. Родители художницы, разъезжая по Европе в поисках подходящего для себя места,  уж было осели во французской столице, но, по словам ее матери, «не для того она выходила замуж за русского, чтобы сидеть в таком дурацком городе как Париж». Ее выбор в конце концов остановился на Харькове, в то время столице Украины, который показался ей «маленькой Москвой».

 В 1924 году Вера Матюх едет «на минуточку» навестить родителей в Харьков и остается в России на всю жизнь. В 1931 году она приезжает в Ленинград – и он пленит её навсегда.                     

1930-е годы художница вспоминала как очень веселое время. В Горкоме (Городской комитет ИЗО работников на углу Герцена и Кирпичного пер.), проходили занятия по рисунку, выставки, лекции, встречи и - танцы! «Мы танцевали, танцевали без конца» - ностальгировала  художница.  Ритм тех молодых ленинградских танцев навсегда остался в её со всех точек зрения особенных работах.

Её цветная литография 1967-го года исполнения, представленная здесь, отличается удивительно гармоничной пластичной организацией. Линии работы музыкальны… Слышите?)

В публикации приводятся цитаты из лекции Николая Кононихина «Вера Матюх и традиции русского авангарда»


И жить мне молодо и звонко,
И вечно мне шуметь и цвесть,
Покуда есть на свете Волга,
Покуда ты, Россия, есть.

Евгений Евтушенко.

Безымянный.png

Много в нашей стране рек величественных и полноводных. Но лишь одна  река выделяется на их фоне  – это  Волга.  В знак искреннего уважения к реке в 2008 году был учрежден особый праздник 20 мая – день Волги, который прошел впервые в Нижнем Новгороде, а затем к нему присоединились все поволжские регионы.  О Волге было известно еще со времен античности. В V веке до н.э. о ней впервые упомянул  древнегреческий историк Геродот.  Это был рассказ о том, как царь Дарий шел войной на скифские племена. Геродот называл Волгу Араксом. Византийский монах и летописец Феофан Сигрианский, описывая географические названия Северного Причерноморья, упоминает «величайшую реку, стекающую вниз от океана по земле сарматов и называемую  Атель — «река рек, великая река».  Русское название Волга – старославянское – Вльга, по утверждению учёных произошло от праславянского слова волглый — волога — влага. Татары называли Волгу – Идел, а мордва – Рау, финские племена, жившие на волжских берегах, – «блистающей» и «светлой». В древности люди верили, что по Волге можно доплыть до самого Солнца и даже до Вечности. Существовала легенда, согласно которой  Волга берёт начало из райских кущ, где живут святые, и стекает с белоснежных гор. В Волге обитает около 70 видов рыб, из них 40 промысловых.  Так что,  каждый желающий  может  вернуться домой с неплохим уловом. Как, например, старый рыбак  на картине В. И. Навозова «Антипыч», написанной в 1890 году.  Василий Иванович Навозов – известный русский живописец, родился в 1862 году в Москве. Учился в Центральном Строгановском училище технического рисования, затем в Императорской Академии художеств, которую окончил  со званием классного художника 1-й степени. Выполнял рисунки для иллюстрированных изданий («Нива», «Ласточка», «Всемирная иллюстрация», «Север»). Принимал участие в иллюстрировании путешествия Великого Князя Владимира Александровича «По Северу России». В 1885 ездил в свите Его Высочества в Остзейский край в качестве иллюстратора этого путешествия. 


Дорогие друзья, мы продолжаем рубрику «Медное литье России». Наиболее распространенным в медном литье является образ Божьей матери.  В коллекции нашего музея представлена икона  «Богоматерь Одигитрия»,  относящаяся  к иконографическому типу Смоленской Божьей Матери, который   восходит к византийскому  образу Одигитрии Путеводительницы. Образ Одигитрии, известный на Руси с 12 века,  являлся вторым по степени распространенности  в медном литье. Особенностью этого типа образа является младенец Христос, сидящий на левой руке Богородицы: его правая рука сложена в двуперстное благословение, левая сжимает свернутый свиток. Лики Богородицы и Христа изображены фронтально.  

Безымянный.png

Продолжение следует…


Добрый день, дорогие друзья! Продолжаем рубрику "История простых вещей".  Мы уже поговорили о тарелках и ложках. Столовые приборы это конечно хорошо, но для того, чтоб ими воспользоваться, надо сначала в чем-то еду приготовить.
Нужна кастрюля. Изначально для приготовления пищи использовали горшок или котелок. Глиняный, керамический горшок, который с помощью ухвата ставили в печь. Универсальная посуда для приготовления чего угодно – каш, супов, мяса, рыбы, овощей, простого кипячения воды.
Размеры варьировались от многоведерных «кастрюлек» до маленьких, на несколько стаканов воды.
Горшки, в которых еда подавалась на стол, расписывали различными узорами. Те, в которых готовили еду, были без рисунка. Если горшок трескался, его не выбрасывали, а оплетали лозой или берестой и хранили в нем продукты.
На смену горшкам приходит более современная кастрюля. Слово это происходит от французского сasserole. «Сasse» - переводится как «черпак», «яма». В немецком языке слово «кастрюля» долгое время обозначало сковороду, предназначенную для тушения.

Первые в истории кастрюли появились именно на французских кухнях в XVII веке. Их делали исключительно из меди и использовали для варки продуктов. Основным отличием кастрюли от широко используемых тогда горшков для приготовления пищи было наличие ручек и крышки.

Что касается России, то здесь первые кастрюли появились примерно в начале XVIII века. До этого времени люди пользовались чугунными котелками и глиняными горшками, которые использовали для приготовления пищи в печи. В 1720 году Петр І подписывает указ об издании Морского устава. Именно этим документом было закреплено обязательное наличие на корабле двенадцати кастрюль, которые представляли собой набор складывающихся одна в другую емкостей, диметром от 12 до 25 см. Первые кастрюли делались из чугуна. Чуть позже появились кастрюли из железа. Как правило, их делали с длинной ручкой. Сейчас такую посуду мы называем сотейниками.

Первая посуда с эмалированным покрытием появилась в начале XIX столетия сразу в нескольких европейских странах и получила дальнейшее распространение. Большая часть современной посуды изготавливается из нержавеющей стали. Этот материал был изобретен французами в 1921 году. 
10654383.jpg
Алтухов Виктор Иванович (1943-2007) Хлеборобы

image (1).png
19 мая (6 мая по старому стилю) 1903 года родился Николай Михайлович Ромадин, в семье железнодорожного служащего. В детстве и юности работал газетчиком, булочником, переплетчиком. Общее образование получил в трудовой школе-коммуне. Окончил Самарский художественно-педагогический техникум (1922). Учился в московском ВХУТЕМАСе (ВХУТЕИНе ) (1923–1930) у Р. Р. Фалька, И. И. Машкова, П. П. Кончаловского. 
Жил в Москве. Работал преимущественно как пейзажист, часто обращался к интерьерному жанру, портрету. 
Был другом К. Г. Паустовского, написавшего очерк об искусстве художника («Родная природа в творчестве Ромадина», 1963). 
Произведения Ромадина находятся во многих музейных собраниях: Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее и других. Таганрогский художественный музей является хранителем скольких работ Николая Ромадина, в их числе и работа «Утро на море» 1955 г.   

MyCollages (1).jpg
Добрый день, дорогие друзья! Мы продолжаем нашу рубрику "История простых вещей". И сегодня мы расскажем вам историю появления тарелки.
Самые первые тарелки появились в эпоху неолита. Их лепили из глины и обжигали. Собственно, современное слово «тарелка» к ним мало подходило, правильнее было сказать «ёмкость». Мы все едим из тарелок. Это кажется нам естественным. Между тем, тарелка появилась на столах людей не сразу, во всяком случае, не вместе с пищей.
 Постепенно ёмкости менялись, превращаясь в посудные блюда, стали плоскими донышки для удобства, а для красоты их покрывали орнаментом, позже глазурью. Появилась керамика. В античных Греции и Риме искусство изготовления керамической посуды достигло расцвета. Возникло деление на обиходную, декоративную и парадную посуду. Популярными были всевозможные блюда, на которых были изображены сцены из жизни богов или героев. Посуда из олова впервые появилась ещё в Древнем Риме. Дорогую посуду делали из серебра и золота.
В Европе в Средние века кушанья на стол было принято подавать на больших блюдах.
В VIII веке в королевских дворах еда накладывалась в углубления, вырезанные в дубовых столах; в XIII столетии аристократы клали еду на круглые куски хлеба; и только в XIV-XV веках тарелки из олова и дерева впервые начинают использовать во Франции. Первые тарелки мало чем напоминали современные тарелки, они даже имели четырехугольную форму.
Любопытно и то, что само слово «тарелка» было заимствованно из немецкого языка, оно пришло на смену древнему слову «миска» . Так еще в XVI веке тарелку называли талера, тарель, торел.
Первые тарелки появились почти 600 лет назад во Франции и имели четырехугольную форму. До этого роль тарелок выполняли миски. Кроме горшка и миски в доме русского крестьянина практически не было другой посуды. Делали миски из глины, дерева, а позднее и металла. Размеры некоторых из них были довольно большие, из одной миски ела порой вся семья. В старинных руководствах по этикету давались специальные советы, как культурно есть из общей миски. Тарелка (в отличие от миски) предназначена в основном для индивидуального пользования, имеет гораздо меньшие размеры и более плоская по форме. Сначала (и довольно длительное время) заменой тарелки служили большие ломти хлеба - обедающий клал на них густую пищу, куски мяса, рыбы и т. д. Затем эти "хлебные тарелки" обычно съедались, а в богатых домах раздавались нищим или выбрасывались собакам. Настоящие тарелки, или, как их когда-то называли - тарелы, появились на Руси не раньше XVI века. Во всяком случае, Лжедмитрий 1, ублажая в Москве Мнишека с сыном, в знак особого к ним уважения, распорядился подать именитым гостям тарелки. Этот факт свидетельствует о том, что еще в начале XVII века они не имели широкого распространения и только - только входили в быт наиболее состоятельной части населения. А сегодня, наряду с дорогими тарелками, широко распространилась разовая посуда. Пластиковые миски и тарелки, как когда-то хлебные, служат хозяину один раз, только собака их потом есть не станет.

Безымянный.png

Дорогие друзья,  мы продолжаем рубрику «Медное литье России». Образы святых в старообрядческом литье не особенно многочисленны. Из сотен имен, входящих в святцы, в литье воплощаются не более двух десятков святых. Одинокими святыми на литых старообрядческих иконах  чаще всего выступали Николай Чудотворец,  великомученик Георгий Победоносец, мученик Дмитрий Солунский, преподобный Сергий Радонежский, и др. В коллекции нашего музея находится литая икона Николая Чудотворца,  самого почитаемого на Руси святого. Старообрядцы признавали только древнюю форму имени этого святого – Никола, которая и помещалась на иконах. Иконография Николы была представлена в двух изводах: Никола Марликийский и Никола Можайский. В нашей коллекции находится икона Николы Марликийского с Евангелием (оно может быть закрытым и раскрытым). В нашем случае святой держит в руках закрытое Евангелие. Продолжение следует…



«Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает, но и любовь – мелодия!» (А.С. Пушкин)

Нет на свете такого уголка, куда не добралась бы музыка; нет такого чувства, которого она не могла бы выразить; нет такого образа, который она не могла бы оживить.

Мир изобразительного искусства тоже пронизан лучами множества мелодий…

Посмотрите на полотно  «Повесть о музыканте» кисти советского художника Евгения Кацмана. Как вы думаете, влюблён ли этот черноглазый скрипач?.. Живописец, создавший его образ, был любимцем Сталина и одним из основателей грозной АХРР -  Ассоциации художников революционной России, долгие годы занимавшей монопольное положение в художественной жизни страны. Эту работу Кацман написал в 1957 году, в пору своего наивысшего творческого расцвета, когда, как отмечают искусствоведы, характер его живописи смягчился, а живописные устремления возобладали над идеологическими. Реалистичный образ его скрипача окружён романтическим мерцанием; лицо музыканта озарено светом вдохновения…

Музыкален и интересный карандашный рисунок Арона Кравцова «Группа еврейских музыкантов», созданный в 1924 году. В нашем собрании представлена весьма обширная коллекция графики этого советского художника, чья жизнь оборвалась на фронте в 1942 году… 

В свою компанию добрые музыканты Арона Абрамовича пригласили и трогательного карандашного симпатягу работы Дмитрия Синоди-Попова. «Портрет уличного музыканта» - так называется рисунок таганрогского художника-лирика. Создан он был в конце ХIХ века… Под звуки бубна, живущие в этой работе, мы завершаем нашу первую обзорную зарисовку из нашей новой рубрики #МузыкальнаяШкатулка


В дни, когда главное — это оставаться дома, не надо отказывать себе в экскурсии по залам Таганрогского художественного музея!
Мы предлагаем вам не только знакомиться с картинами из наших фондов, но и совершать виртуальные экскурсии по экспозиции "Три века русского искусства"!
Каждый день мы будем рассказать об одном из экспонатов.
Для этого следите за обновлениями в нашем новом разделе на сайте "Онлайн экскурсии" и в наших информационных группах.
Каждый день совершайте виртуальные прогулки по экспозиции нашего музея!
1015-5cdc3a96a2dfd.jpg
За видео благодарим таганрогского видеографоа Сергея Говорухина.

Прогуляться по залам старинного особняка, прикоснуться к истории, почувствовать прошедшую эпоху, насладиться истинными шедеврами - всё это вы можете сделать не выходя из дома!

Следите за обновлениями на нашем сайте и в информационных группах!
Мы подготовили еще много интересно!


КУПИТЬ